デジタル社会だからこそ異彩を放つ「アナログの美学」。

デジタルとアナログという言葉は対比関係として認識されがちであるが、むしろ融和する関係性にある。

伝統が伝統であり続けるためには、絶え間無い革新が求められるように、アナログが今日社会に受け入れられるためには、過去の延長には無い、非連続の発展が求められる。

今回ご紹介したいthe impossible projectはまさに先代達が創出した価値観を現代のバランス感覚によって咀嚼し、蘇生させ、伝達しているプロジェクトである。

IMPOSSIBLEは2008年にこの世から去ってしまったポラロイドカメラの廃工場を元ポラロイド社より買い取り、新感覚のインスタントフィルムを製造・販売している。

当時の製造過程で使われていた材料が存在しないため、「現像液と光の関係性」という原点を軸に、新たな技法や材料によって全く新しいフィルムが作られている。

一度「歴史」と化してしまったものを復元し、再構築するプロセスには無数の難壁が待ち構えている。そんな中、the impossible projectが結束し、活動する目的は、

「アナログ写真が持つ尊い文化を次代へと継承していく」という事に他ならない。

冒頭でも記載した通り、デジタルとアナログは対比関係ではなく、それぞれが異次元に存在する。

「アナログ」というものは、人間にはコントロールできない範疇故に、人間の想像力をさらりと超越し、私達を魅了する独特の価値観を指す。

それは、人間が自然に圧倒されるのと同じような神秘に包まれ、生命への手応えを感じられる世界である。

そんな代替不能な価値観を伝えているIMPOSSIBLE TOKYOは、2013年6月14日～7月21日にかけて、中目黒にあるImpossible Project Spaceにて「対比と退比展」を開催。

過去には、荒木経惟氏や大森大道氏といった名だたる巨匠の作品展も開催したこの場でImpossible filmが織り成す個性豊かな作品の数々が体感できる。

再現性や反復性といった匿名な価値ではなく、唯一無二の表現がここに集結。

是非、人間らしい原感情を感化させてくれる空間に足を運んでみては如何だろうか。

【対比と退比 — Contrast ＆ Regression】

自然環境と密な関係にあるImpossible film。

思ったよりも赤みがかったり、青みがかったり、

意図的ではないその仕上がりも、時に偶然が織りなす芸術と成り得ます。

しかし、その偶然も、実は必然。

撮る場所、撮る時間、撮る物によって、

Impossible filmの仕上がりはいかようにも変化します。

特定の色味が強くでたり、鮮明かと思いきや淡い印象の像になったりと

まるで偶然の産物のように思える仕上がりも、

実は撮影現場の自然環境によるもの。

差し込む光、その時間帯の熱や湿度、その場にある物ものの風合い、

その場のすべてが影響し必然としてうまれます。

【対比と退比 — Contrast ＆ Regression】

前期：対比　6/14（金）〜6/30（日）

後期：退比　7/2（火）〜7/21 （日）

※退比の終演日は変更の可能性があります

前期の対比では、光と温度を軸に、

ライフスタイルの中から魅力あるシーンを切り取り

その関係性を表現することで、偶然を必然へと誘います。

後期の退比では、アーティスト集団 “The Little Shop of Flowers“ とともに、

花とフィルムの”生”の部分をインスタレーション形式で披露いたします。

The Little Shop of Flowers

http://www.thelittleshopofflowers.jp/

前期の対比会期中に、展示作品がどのフィルムで撮影されたかなどの

舞台裏を質問形式でお客様に投げかけ、ご回答にあわせていろいろな特典を

贈呈させていただくイベントもご用意しております。

後期の退比では、7/6（土）にワークショップを開催する予定です。

詳細は近日IMPOSSIBLE NEWSからアナウンスいたしますので、

こまめにチェックしていただけたら嬉しいです。

東京都目黒区青葉台1-20-5 OAK BLD 2F Impossible Tokyo KK

TEL：03-5459-5093

MAIL：tokyo@the-impossible-project.com

本展を通じ、ひとりでも多くの方に、

Impossible filmがいかに自然と密な関係にあるのかを、

伝えることができればと思っています。

IMPOSSIBLE TOKYO

Website : http://www.the-impossible-project.jp/index.html

しかし、瞬時に理解できない情報に直面した際に一種の拒否感や面倒くささのようなものを感じてしまうという事は、新たな学びの機会を放棄しているという事。
それらが定着した社会では、人々は物事を深く考える事を避け、本質から遠ざかり、真の問題や解決すべき課題が見えず、いつまでたっても現状維持のまま、社会として発展する事ができなくなってしまう。

実際、Future Ownership Japanの読者の皆様の多くも、様々な媒体で行われている非本質的、均質的な情報提供に対して強い拒否感を持ち、残念な気持ちになっている方が多いのではないだろうか。
影響力のある立場として、もっと伝えるべき尊い価値があるのに何故、画一的な情報ばかりを発信するのか、と。「情報は消費するものではない」と。

上記の現状は、ジャーナリズムという社会的に必要な職能をも脅威にさらしている。人々の意識が瞬時に理解可能なものに偏重してしまえば、ジャーナリズムの得意分野である「情報の深堀り」に対する価値の軽視を招く。

このような流れに苦しむジャーナリズム界において、ニューヨークで大変興味深い新たなプロジェクト、Narrativelyが今年夏のローンチに向けて準備を整えている。
元GQ、Times, New Yorker, New York Times, The Wall Street Journal等様々なメディアでフリーランスジャーナリストとして携わっていたNoah RosenburgとBrendan Spielgelが立ち上げるこの新たなデジタルプラットフォームは、NYにまつわる物語を1週間に1つ取り上げ、毎日それらを最適且つ異なるなフォーマットにて多角的に描写していく、というもの。月曜日には映像ドキュメンテーション、火曜日には25,000文字の記事、水曜日には写真といった具合である。ここで重要な事は、メディアサイト等で取り上げられる「トップストーリー」ではなく、知られざる人々の物語のみを伝える事が目的である、という事。

トップストーリーに取り上げられる事が重要で、そうでないものは重要ではない、という判断基準では無く、共に社会を共有する者に対する敬意をきちんと図る事は社会の健全性のために欠かせない要素ではないだろうか。
情報発信のペースをあえて緩め、如何に私達は「知らないか」という事を改めて突きつけるこのプロジェクトは、物事の多層な価値を見れる視野を育む一つの方法ではないかと感じている。

掲載コンテンツに関しては明らかではないが、一部公開予定のものとしては、何十年もアンティーク眼鏡を収集している80歳の女性の話、知られざる男性ストリッパーの日常物語等、通常のメディアサイトではなかなか取り上げられないようなコンテンツである。
これらは、社会の一人一人に物語がある、という考えの元、よりニューヨークに対する多様性を理解して欲しいとの願いが込められている。

「昔からローカルに根ざした上でジャーナリズムやストーリー・テリングを実現する場を夢見ていました。美しい物語を伝える事を目的に、美しい物語を伝えたいのです。」とNoahは話す。

事業収益としては、イベントへの参加権等やebook、限定コンテンツが手に入るプレミアム会員（月数ドルを検討中）やイベント参加費等を予定しているという。個人的に興味深い事は、人々が1つのテーマに対して1週間毎日サイトに訪れる、というモデルが構築できるとなれば、例えば広告のあり方を変える可能性もあり、メディアサイトの収益化に新たな選択肢が生まれるかもしれないという事であるが、これはまだ先の話になりそうなので言及を控えたい。

当然、サイトローンチはあくまでの初手に過ぎず、今後Narrativelyのビジョンとしては、ローカルメディアの新たな方向性を示し、ニューヨークだけでなくあらゆるローカル地域に発展させ、ジャーナリズム価値を高める事に尽力する、というものを掲げている。

現在、Kickstarterでも5万ドルの資金調達を希望しているが、このジャーナリズムの本域を取り戻しながら、ジャーナリズムの未来を構築する旅はとても有意義なため、その成功を私達Future Ownership Japanも応援している。

Website
http://launch.narrative.ly/?r=http://www.kickstarter.com/projects/narratively/narratively

ローマとミラノにて広告関連の仕事をしていたLorenzo de Ritaはある日、Wieden+Kennedyからアムステルダム事務所にてNikeの広告を担当して欲しいという依頼が舞い込んだ。そのとき、自分はやりたくなかったが、他の誰もが引き受けなかったので、仕方なく引き受けたという。その後、職を移り、今度はアムステルダムに拠点を置く広告代理店の180にて、Adidasのグローバルクリエイティブ・ディレクターとして歩み始めた。しかし、そのときのLorenzo de Ritaはより一層、広告業界が持つ「監獄」のような性質に閉塞感を感じていたという。その心理をLorenzo de Ritaはこのように話す。「どんなに自分がやっている事が詩的であったり、人と違う要素があったとしても、それらは自分が求める詩的レベルではなかったのです。」

そんなLorenzoは仕事が辞めたくても、やはり子供が四人もいた状況では考えざるを得ない状況だった。そんな時、イタリアのパスタメーカーのBarillaからオファーが舞い込んだ。その時のBarillaは、オファーを断られないよう、莫大な報酬を条件として提示したが、Lorenzoはそれを断った。さすがに驚いたBarillaの上層部達は何故今回の話を断るのか、その理由を確かめるために部下を送り込んだ。

そこで、Lorenzoは自分のThe Soon Institute構想の話を提示し、結果的になんと最初のプロトタイプ20個分に対してBarillaは資金を出したという。

さて、ここらで気になる事を少し解き明かしていきたい。「そもそもThe Soon Instituteとは何だろうか？」という事を。

この質問をぶつけられた本人はこう答えている。「そうですね。。実はこの機関を”何なのか”という事と結びつける事にとても葛藤があります。定義とは、物事を完成され、閉ざされたものへと縛りつけるリスクがあります。しかし、その名前から、この機関は既に未完であり、不明確であり、予測不可能である事が推測できます。強いて言うならば、それは一つの視点であり、物事を違う角度から捉えるという事です。物事が既に保有する性質そのものではなく、それらがどのような可能性を秘めているのか、又はどのようであるべきかを捉える視点です。私達は、可能性を探る過程で出会った興味深い物事を来るべき社会モデルとしてのプロトタイプへと昇華させます。」

これらの「プロトタイプ」と呼ばれるものは、もちろん具現化される。その一例がjointhepipe.orgだ。このプロトタイプの目的は、世界の水不足に悩む人達を救う事である。そこで、Lorenzo達は互いに結合できる水道管に似せたウォーターボトルをデザインした。再利用プラスチックにより作られたこのボトルは、プロジェクト参加者全員に渡され、これらの収益は全て発展途上国における井戸開発に利用される。より多くの人々がこのプロジェクトに参加する事で、「水道管」が長くなり、水不足に悩む人々を減らす事だ。

これら以外にも、冒頭で挙げた「インターネットを物理的な空間にする実験」や「ラグビー戦術から学ぶ新たな社会政策」、「風の要素をウェブサイトに適用する方法」等のプロトタイプが存在する。
ちなみに現在のプロトタイプ数は約57に及ぶという。実に深淵なトピックを57、と考えると実に意欲的でエキサイティングな取り組みである。

このリストを見てもお分かりの通り、これらは必ずしも人々が使えたり、消費できたりする類のものでは無い。そこにこそ、Lorenzoの意図が潜む。「欲求というものは信じる力を奪います。信じる、という行為は皮肉という価値に置き換えられてしまいました。しかし、信じる力がなければ発展が得られない事を考えれば、これは大きな問題です。私のThe Soon Instituteでは、人々の”信じる力”を取り戻すためのツールを提供しているのです。」

Lorenzoの活動を見ていると、詩人としての役回りが何よりも興味深い。20世紀に生きた詩人達の多くも確かに生きる上での視点を表現し、その着想によって世界の奥行や幅を社会に与えてくれた。そんな中、21世紀に生きるLorenzoはその詩人が果たす責務や役割の意味合いを大きく塗り替えている。もし、視点こそが詩人の詩人たる秀逸さであるならば、その視点を持ってもっともっと社会のために能動的に働きかける事はできる。「広告業界は極めて保守的だ」、と話すLorenzoの発言にも表れている通り、Lorenzoはむしろユーザーや社会に挑みかける姿勢を決して崩さず、人々の脳と心に揺さぶりをかけてくる。その行為は、想像力の幅こそが人類の可能性の幅である事を改めて示唆してくれている。

そんなLorenzoの興味深い一言を最後にお届けしたい。

“貴方が思い描く社会やプロジェクトが具現化しないことを失敗と捉えますか？”という質問に対するLorenzoの答え。
「いいえ。私はエンジニアとして勝つならば、詩人として負ける方がましです。」

The Soon Institute Website
http://www.thesooninstitute.com/

Stephen Kennは家具作りの生産過程を知るうちに、その複雑さに圧倒されたという。そこで、構造をよりシンプルにし、一つ一つのパーツがどのように機能しているのか、という事を透明にできないかと考えた。また、それらを支える素材も、より物語を伝えられる素材を徹底的に選び抜きたいと考えた。プロジェクトを進めていく中でStephenは幸運にも、ロサンゼルスの倉庫に眠る大量の軍服や戦争備品に出会う。第二次世界大戦に利用されたこれらの軍服の物量を見ると、改めて時代の大きな変革を感じる。

Stephen Kennは、The Inheritance Collectionを通じて、人がこれらのソファに座る度に、自らを犠牲にし、今を生きる人達のために自由を勝ち取ってくれた人々がいた事に思いを馳せて欲しいと考えている。
「これは彼らの存在を記憶するための家具でもあるのです。僕が僕でいられるのは、彼らが彼らでいてくれたからなのです」と話す。また、「家具コレクションを作る意味は、単に家具ブランドとして認知して欲しいからではなく、より豊かなコミュニケーションが生まれる環境を創造するためです」とも話している。

そのため、Stephenは、モノづくりの生産プロセスをもう一度紐解き、それぞれのプロセスにどのような人が関わっているのかを伝える事にも情熱を注ぐ。家具制作に必要なパーツや素材を一緒に作り上げてくれる人達との関係構築もStephenが大切にしているモノづくりの価値だという。ロサンゼルスはあまりモノづくりのイメージは無いかもしれないが、「現地でモノづくりができる事に心踊る人々がロサンゼルスにはいる」事もまたとても魅力なのだそう。

いつの時代にも、後世に伝えるべきメッセージや生き様というものが必ずある。そしてその伝え手は、モノやコトへと形を多様に変えながら、伝える努力をしている。一方で、使い手としてはそのメッセージを汲み取る器量がなければ、永遠にコミュニケーションは取れない。ここにミスマッチが起きてしまうから、「モノではなく精神的豊かさが大事だ」という話が生まれてしまう。そこできちんとコミュニケーションがとれていれば、つまり、作り手の想いをその作品を通じて確かに感じ取れる感度が備わっていれば、そんな発言は死んでもできないはずである。作り手を阻害してはモノを通じた豊かさは享受できなくて当然である。

確かに20世紀は大量生産によるモノが数多く存在した。一方で必ずしも機械的ではない方法で生まれたモノもまた数多く存在した。いずれにしても、21世紀に入って実際に作り手として関わっている人達は減っている。その原因をITによる発展等というだけでなく、「当時の人達の方が伝えたいコトが沢山あったのではないか」と考えることも必要ではないか。利便性や効率だけで価値をはかれば、技術を獲得し、研鑽し、悩み続けながらも作品を生み出し続ける生き方は理解できないかもしれないが、それをしてまで伝えたいコトや生きたながら体現したいコトがあったのだ。
今、人がマネできない労力をかけてでも伝えていかなければならない価値を一人一人が持つ必要があると、強く思う。

(Film via Process Creative)

Stephen Kenn Website
http://www.stephenkenn.com/site/

以前、Future Ownership Japanでも紹介した作り手であるSean Woolseyの映像が新たにあるので、こちらを紹介したい。新しい人達の発掘はもちろんだが、こういった一度紹介した人々のその後を追っていく事、深化の道を紹介していく事も大事だと思っているのでお付き合い頂きたい。

「かつてとある人が”本物のアーティストはインスピレーションを待たない。いつかアイディアが湧く事を期待しながら行動しているようでは、決して多くの事を成し遂げる事はできない”、と教えてくれました。その言葉の本当の意味を実感できるまでには少し時間がかかりましたが、今では、行動こそがアイディアやイノベーションを生むのだと実感できました。」

この映像の中で、特に大切だと感じている言葉が”Re-purpose”である。「再度目的を持たせる」、という意味になるこの言葉は、21世紀に生きる私達にとって外せない視点である。
時に、手を介した仕事を21世紀において行う事を「逆戻り」と批判する声もあるが、Future Ownership Japanではそうは思わない。やはり手にしか生み出せない仕事は無数にあり、何よりも獲得できる精神性こそが尊い。手仕事の魅力を挙げればきりがないのでここでは割愛するが、その尊さを感じているからこそ、同時に手仕事に対する批判にも冷静に耳を傾ける必要はある。

それらの批判はどこに向けられているのか。その批判はやはり、一言で言ってしまえば、「手仕事における進化性」を社会が広く感じていないからではないかと推察する。これはどんな分野の人々にも言える事であるが、今を生きる人達にとって自身が関わっている領域や生活が「進化・深化」していないのであれば、「今を生きる」使命は果たせていない。世界情勢や価値観は不連続かもしれないが、人の命、社会の命、地球の命は絶やしてはいけない。
私達が生きる「今」は、次世代に橋渡しするための「今」であり、この「今」も、そもそもは先人達が残してくれたもの。

そういう意味では、この”Re-purpose”という言葉には、自分よりも遥かに大きい事のために尽力しようという心意気が受け取れるのであり、この意識こそが、社会を前に進めるのだと考えている。
2080年頃から2012を振り返った時、何が語り継がれるのだろうか。2080年に生きる人々を圧倒できる創造物はどれだけ残せるだろうか。今の時代に物事の価値を持たせるという事は、同時に、未来の人々に対する挑戦状でもある。

時代を越えたコミュニケーションが成立する事は、私達も歴史を見ながら十分に感じているはず。そんなダイナミズムを感じながら、生きる事で見えてくる風景はきっと違ってくる。
それはSean Woolseyが映像の中で語っているこのような言葉からも感じ取る事ができる。

「僕は、自分の身の回りにいる人達から多くのインスピレーションを貰っています。それは、9時-5時の快適帯を脱し、壮大な手仕事の旅に出ている人達です。”旅こそが目的”なのです。」

(Film via Process Creative)

ここ数年間、様々なクリエイティブマインドの持ち主が集い、プロジェクトや事業展開、そして表現の場として選んでいるブルックリンのウィリアムズバーグであるが、 非住人が滞在する場としての選択肢は極めて少なかった。
昨年、ライフスタイルホテルブランドであるKing & Groveがウィリアムズバーグに新たにオープンしたが、Ace Hotelといったカルチャー色が強く、地に足が付きつつも適度な上質感を持ったホテル好きにとってはどこか物足りないかもしれない。
そんな中、ウィリアムズバーグにニューカマーが2012年5月に名乗りをあげる。Wythe Hotelである。

正直、Ace Hotelのような強度があるか否かはまだ判断しかねるが、こうしたハード面のインフラを整える事でウィリアムズバーグに新たな求心力が生もうとする動きはその場所がどこであれ、重要な取り組みではないだろうか。
実際に、Wythe Hotelのサイトでは、Wythe Hotelには醸造所の監督、エンジニア、ブドウ栽培家、シェフ等のための部屋があります、といったメッセージも放たれており、地域に根付いたホテルを意識している事が分かる。

Wythe Hotelはブルックリンの伝家の宝刀的な手段に則り、「古い工場」のリノベーションによって、何にも代え難い歴史的重厚さを残しながら、新たな人々を迎え入れるための門戸となるように手が施されている。

施設の一例として、65人が収容できるスクリーニングルーム（フルHDプロジェクター完備）を備えている。この「65人」という会場を巻き込むのに丁度良い規模感のこの部屋ではインディペンデントなカンファレンスや映画上映会等、様々な用途として利用できる。
プロジェクト単位で活動するようなフリーランスや小規模企業の場合、この収容人数が二桁台のスペースこそ、小回りが効いて利便性が高いのではないだろうか。また、この部屋の外にはバーも完備されているので、プライベートなプロジェクトリリースパーティー等も対応可能である。

Wythe Hotelの中でも特に重要視したい事が、ホテルを形作るあらゆる要素がインディペンデントな人達との共創によって実現している点である。
例えば、ウォールペーパーはブルックリン在住のイラストレーター／アーティスト／ウォールペーパーデザイナーであるDan Funderburghによるオーダーメード作品であったり、 バス用品はプラスチック製品の大量生産に疑問を抱き、より環境に配慮したバス用品を作りたいとの想いで活動しているCommon Goodsによる商品を採用していたり、家具も地元産であったりと、これらの選択を通じてWythe Hotelが大切にしている判断基準が垣間見える。

また、2012年5月1日のオープンから7日までは、早速アーティスト支援をしているNPO団体Frieze Foundationのイベントホストを務める事になっている。

今後、個々の力と街が持つインフラとしての強さが様々な形で調和する事で、地元によって育まれる発展性と外部との価値交換により、一次元深みのある文化的な発信性の高いホテルとしての機能を果たしていければ興味深い。
ニューヨークへ行かれる際は、一度覗いてみては如何だろうか。

Wythe Hotel Website
http://wythehotel.com/

今日ご紹介するのはトルコ（イスタンブール）に拠点を置く、とある「ファシリテーター」のお話。

2009年にオープンし、今では音楽に飢えた人々のナンバーワン・デスティネーションと化しているMini Müzikholというクラブの運営から、日中はEdisyonという若手アーティストのエキスペリメンタルな表現をサポートするギャラリー経営、そして時には写真家までをこなすÇağlar Kanzik。NYやロンドンと比べればまだまだ音楽・アートシーンが未発達なトルコでは、それらの状況に喉の乾きを覚えている若者が数多く存在する。そんな環境を変えるべく、Çağlarは週7日間働きっぱなしの日々を送る。

元々エンジニアリングや経営学を学んでいたÇağlarは仕組みを考えるのが好きだったようだ。課題を解決するアイディアを出し、それを実行する事に喜びを感じる。周囲からは「何か一つのものに集中すべきだ」と言われたが、それらは純粋に自分のやり方には合わないと判断し、今では様々なプロジェクトを同時並行させている。人は物事を定義する事で、目の前の事象を簡素化し、理解したいと考える。逆に言えば、外から見た時に一つのカテゴリーや言葉に定義できないもの、一見複雑に見えるものからは距離を置きがちである。実際に仕事でも店舗内装はインテリアデザイナーに依頼し、広報関係は広報部に依頼する。しかし、例えば店舗内装に「編集力」という職能を持った雑誌の編集者が関わったり、広報の仕事を「価値を顧客に伝達し納得してもらう」事が職能の一つである営業部門が考える、といったように本来は「提供できる職能」として捉える事でまた違ったアウトプットが可能かもしれない。もちろん、一つの分野をとことん追求しなければ達成し得ない世界というのは確実に存在し、その価値は計り知れない。しかし、多分野に一つの横串をさして新たな価値を創造する立場も同じように尊い。そんな分野横断性に溢れたメンタリティ持ち主がÇağlarである。

そんなÇağlarは現在の活動拠点であるイスタンブールの前に数年間ニューヨークに在住していた。始めてニューヨークの地を踏んだのは、たまたま違う行き先の飛行機出発時間が6時間遅れた事がきっかけとなった。その時間を利用して友人を訪れようと思って降り立ったニューヨークで、「初めて自分の居場所を見つけたような感覚を覚えた」と話す。そんな、運命的な出会いも、キャッシュが底を付きそう、という生々しい理由により結局イスタンブールへと帰る事となった。

イスタンブールへ帰ると、Çağlarが共にEtraftaというブログを書いていたアート、政治学、グラフィックデザインといった多様なバックグラウンドを持った仲間達と現地のカルチャーセンターを作るプロジェクトを実現しようとしていた。ワークショップ、スタジオ、ギャラリー、フードコート等が集まった場所を計画していたが、結果的に資金繰りがうまくいかなかったため、お蔵入となった。その後、GodetとSoap-Systemの創業者であるMinasという人物が新たな場所を見つけ、ここを近所のバーとしてオープンさせてのがきっかけとなり、クラブビジネスを始めた。

その後、幼少期からアートやギャラリースペースに興味を抱いていたÇağlarはEdisyonというギャラリースペースを立ち上げた。ギャラリーや美術館、そして図書館にも共通する独特の静けさやその空気感に魅了されていたのである。Çağlarは立ち上げに際して様々なアート団体やアート関係者との関係構築を図るために奔走していたが、気づけばポーランド画家のBora Akıncıtürkの代理人を務めるようになっていたそうだ。常に好奇心旺盛に心と意識をオープンにさせていた結果、ローカルアートシーンとの繋がりが持てたのだと、振り返っている。

しかし、そんなÇağlarであるが、頭で描いていたアートギャラリーはむしろアートシーンの「外」で機能するものを考えていた。

ここに、彼のファシリテーターたる所以の一つが垣間見える。分野横断性を意識するÇağlarは単に「業界人」や「業界のための」といった概念を取り除きたかった。これは言うはやすし行うは、の世界である。構想の初期段階においては一平方メートルの箱にホイールをつけた可動式のミニギャラリーを作ろうと考えていたが、結局そのプランは実現させることなく、現在のEdisyonのような若手アーティストが一般に対して作品を展示できるプリントギャラリーとなった。

ここで展示されているアーティストのほとんどが無名であり、また初期設定価格も全て均一させることでギャラリー内のヒエラルキーを排除する形式をとっている。アーティストもギャラリー運営者も互いにwin-winの関係を目指した形なのだそう。特にまだまだ文化的側面におけるインフラが整っていないトルコにおいてこれらの発信場所というものは若手にとっては貴重な存在である。イスタンブールの現状についてÇağlarはこのように話している。

「イスタンブールでは、街における柔軟性や流動性に欠けます。あらゆるシーンがとても密集しており、他の地区に移動するといった事はありません。例えばニューヨークやロンドンに訪れる度に、アーティスト達が市内において活動地域を変えている事が感じられます。ニューヨークであれば、Bushwick、Red Hook、Gowanus、ロンドンであればDalstonやHackneyといった具合です。そこには多文化的な要素があり、アーティストとしても何らかの居場所を探す事ができます。しかし、イスタンブールでは、文化的とインフラ的な要因が流動性に対する制約として働きます。ここでいう文化的制約とはほとんどが宗教に関連した事であり、人々と何らかの合意に達するためには多くの犠牲や理解が求められるのです。」

そんなÇağlarにとって、イスタンブールで最も好きな要素もまた「人」なのだそう。イスタンブールには長い歴史と多様な人々が存在し、異なるバックグラウンドを持つ人との出会いが多いとの事。そのため、とても非合理的な事象にも多く出くわすようだ。
「どのようにし考え、反応すればいいのかわからない事が毎日のように起きます。それらは時に悲しく嫌悪感を覚える一方で、時に最高に楽しく驚きに満ちているのです。バイタリティを意味するこの環境からはとてもポジティブなインプットをもらっています。」

そんなイスタンブールも近年は外国人も増え、郊外地域の都市開発等が進んでいるため、交通インフラ等の整備が急ピッチで行われているとの事。
現状の環境を武器に新たな価値創造をしてきたのがまさしく文化の文化たる所以の一つだった事を考えると、Çağlarの活動もその一端を担っているように感じる。現代社会があらゆる分野において「包括的」な解決策や価値が求められている今の気運と、地域性という文化発展において欠かせない要素によって今後何が生まれるのか、継続のみが知る所ではないだろうか。

Ediyson Website
http://www.edisyonlar.com/

ネット社会として発展めざましい現世であるが、その中で「実感」できる世界の拡張性というものは実際にどれ程発展しているのだろうか。世間一般として使われているインターネットがもたらしてくれた「世界の広がり」又は「世界が身近に」という言葉は、個人レベルにおいてどれ程現実感のある言葉なのだろうか。もちろん、情報収集や処理・消化、情報を元にした考察や新しいアイディアの創出等は言うまでもなく極めて重要であり、私達Future Ownership Japanも日本ではあまり伝えられていない世界のインディペンデントな情報をお届けし、少しでもインスピレーション源としての役割を果たしたいと願っている。これはネットが付与してくれた機能の一つである事。

しかし、だからこそ誰も伝えていない現実は「現実」としては人々に認識されない事を日々認識する必要がある。情報伝達に公平性・包括性という概念は存在し得ない。立場があり、優先順位があり、主張がある。
例えば、世界中で話題になっている経済・政治情報が日本の主要メディアにすら取り上げられていない事は多々ある。単純に考えても15億人が利用する英語の情報を1.2億人の日本人が自国で処理するには高度な自動情報処理技術でもなければ難しいため、当然と言えば当然である。もちろん、それだけではなく先程の立場、優先順位、主張したい内容、問題意識の程度等が他国と大きく違うのではないかと推察する。いずれにしても、これらによって、世界において現実として語られている事が日本では現実として扱われていない状況が生まれる。

ネット社会でもこのような事が日々起きているのではないだろうか？つまり、ネット社会によって「知っている」つもりの情報は増えている一方、実際に五感を通じて感じとった情報や現実というものは実は半世紀前とそんなに変わっていないかもしれない。むしろ、仕事が忙しい現代人の方が旅をする時間や物事ときちんと対峙する時間が奪われてしまい、結果的に「現実」として感じた経験は少ないかもしれない。GoogleやYahooで検索できる事は無数にあるが、検索できない事も無数にある。

現代に生きる私達は、その意味ではオンライン社会であるからこそオフラインにおけるリアルな五感を通して自分達にとって手「触り感のある現実」を構築していかなければならない。これは情報社会として世界が発展する前も今も本質的には変わらない事ではないだろうか。

元来、日本は一見この情報処理における不利な状況を類い稀な情報吸引力、適応力、研究力をもってして、プラスの方向へと転じてきた。伝家の宝刀である勤勉さを腰にさし、「脱藩」という技をもってしてこの国は陸の孤島から世界の情報を自国文化と融合させてきた。（これを「信念の無さ」と見るか、過去を捨て未来のために変化を遂げる「変革者」と見るかはまた機会を改めたい。）そして、自らの五感を通じて得た情報を自身の中で消化させ、自身の価値観を結合させる事で更なる未来の広がりを確かに内なる「実感」として獲得していたのではないだろうか。例えば福沢諭吉にしても、そんな自身の確かな価値観に裏打ちされたからこそ、当時はクレイジーの一言で一蹴されてもおかしくないような言霊を発し、アイディアを形にしてきた。

もちろん、当時と違う状況も多々ある。その一つがネット社会である現世において、現代人はより多くの情報の中から高度なバランス感覚が求められる、という事ではないだろうか。福沢諭吉の時代に比べると、情報そのものが価値を帯びていた。現実としても、単なる情報レベルとしても、情報享受レベルには格差があり、情報を手のひらに置く人々の方が有利な状況であった。しかし、21世紀は違う。

日々多様な価値観の渦にさらされる中で揺さぶられながらも、自身の判断基準を築きあげ、一つの専門分野や文脈では無く、多方向に散らばる分野や文脈を一つに結集させ、あるいは結集している情報を拡散させるといった部分最適では無く、全体最適の視野が求められる。情報そのものは皆がアクセスできても、そこから紡ぎ出せる新たな文脈や見いだせる未開拓の可能性を探るような視点である。これらを獲得する第一歩がやはり、「自分の中の現実」をきちんと構築する事ではないだろうか。

前置きが長くなってしまったが、そんな事を感じさせてくれるロンドンのデザイン事務所であるBoat Studioが手掛ける雑誌プロジェクト、”Boat Magazine”の存在を簡単にご紹介したい。
この雑誌を紹介する理由は一つ、その現実を見る事への信念の硬さである。正直に言ってしまうと、例えばデザインが飛び抜けて異彩を放つ訳ではないが、この雑誌を作るためのプロセス、そして想いというものが何にも勝る力を秘めているのである。

季刊誌であるBoat Magazineは年に2回発行するのだが、現在はまだ2号と産声を上げたばかり。電子書籍が急成長し、紙雑誌の発行部数は右肩下がり、これらに加えて世界経済の低迷という環境下に、「紙雑誌が好き」というこれ以上無い理由により雑誌作りを決断したこの雑誌の一番特徴的な事は、1号につき1箇所（地理的な意味）、しかも日頃メディア等ではあまり取り上げられる事の無い地域に実際に1ヶ月住み込みながら取材を行う、という制作スタイルである。まさに地域密着とはこの事であるが、そもそもロンドンの事務所を設けてから8ヶ月程でこの決断を下したという。当然、周囲はその決断に混乱の色を隠せない様子だったようだが、これらを押しのけてまで作るこの雑誌の目的は、「過去の出来事や事件等がいつまでもその地域の代名詞となっているような、”世界から忘れられた場所”の現実を伝える事。」

全てはこの世に少しでも正義を証明する事。実際に、私達もネット社会にいながらも実際にあまり多くを知らない忘れられた地域は地域は枚挙にいとまがない。東日本大震災で不名誉にも焦点があたったチェルノブイリもその可能性がある。人々はチェルノブイリと聞くとまず第一に原子力発電所事故を思い浮かべる人が多いかもしれないが、そこの人々がどのような生活を営み、価値観を保有しているか、そして事件後の数年間はどのような日々だったのか、という事を理解している人はどれほどいるのだろうか。

Boat Magazineはジャーナリズムの怠慢へ異議を唱えるために、自ら行動する事を決意した。創刊号として選んだ地域はサラエボ。Boat Magazine曰く「1996年にサラエボ紛争が終焉して以来、メディアは去り、二度と戻っていない。」そんなサラエボだからこそ、今の人々が何を考え、感じながら生きているのかを伝えたかったという。現在、議員を務めているNo Mans Landでオスカー賞を受賞したDanis Tanovicとの対話内容も掲載されているが、彼の「今何かを変えなければまた戦争が起こる」という言葉が持つ「現実性」が放つメッセージは熟考せざるを得ない。

Boat Magazine第二弾はデトロイトである。個人的にここで生まれる素晴らしい音楽の数々に多大なるインスピレーションとエネルギーを貰っている自分としては非常に興味深い号であるが、デトロイトもかつては車産業により発展した地域であったが、日本勢の隆盛により衰退を余儀なくされたデトロイトでは人口の約25%が街を離れ、6万世帯もが空家となっている。これらの場所が犯罪の温床と化した結果、周囲の地価や資産価値が下がり、近隣の学校に通う人口減を招いているため、今後も更なる人口が流出する恐れがある。

もちろんこれらはデトロイトが抱える大きな問題の一つであるが、一方でメディアにおいてはこれらの情報ばかりが優先報道されているため、他の側面に光が当てられていない。もちろん、現状を伝えるという意味では欠かせない報道であるし、このような「不足の環境」によって育まれる反骨精神や創造性によって様々な良質な物事も生まれている。しかし、一側面のみが強調され、世界のおいて画一的なイメージが拡散する事により、人々がデトロイトに近寄らなくなってしまう。 そんな状況を一変しようとしたBoat Magazineはこう言っている。

「1931年にニューヨークタイムズ紙が創刊80周年を記念するため、時代の変革者に次の80年（1931-2011)はどんな時代となるかというテーマに基づいて記事の執筆を依頼した。その中で、Henry Fordは選ばれた一人だったのだが、彼が書いた記事のタイトルは「明るい未来は現実を殺風景にする」であった。雑誌作りのためにデトロイトでの滞在を終えた今、その言葉に強く同感している。」

ちなみに次回は母国ロンドンが特集されるようだ。異文化を見てきた編集陣が改めて母国ロンドンをどのように紐解くのか。

(Pictures via Boat Magazine)

Boat Magazine
http://www.boat-mag.com/

San Carlosに位置し、ブラジル中から30名の研究家達が集う”Nomads”と呼ばれるグループで学位と博士号を取得したGuto Requena。このNomadsはデジタルカルチャーが如何に私達人間とデザインの関係性や都市開発のあり方に影響を与えるかが中心的な関心領域であり、デジタルカルチャーにおける動向、行動パターン、習性等を研究している。柔軟性や多機能性に強い関心のあるGuto Requenaは、Nomads卒魚後の2008年に自身の建築スタジオを設立し、住宅、商業ビルや家具の開発を行なってきた。

大学卒業後すぐに自身のスタジオ設立、と聞くと、やはり気になるのは初期のクライアントを如何に開拓していったのか、という事ではないだろうか。
どうやらそこは純粋に仲間に恵まれた結果だと本人は話す。始めは友人の住宅を手掛け、そこからは友人の紹介を経由して仕事が広がっていったそうだ。また、デザイン界における学術側の人脈があったため、国中をまわりレクチャーやワークショップも行なっていた。

そんな彼の夢は人々の行動特性を考慮した上でのインタラクティブなビルをブラジル市内に建設する事だそう。現段階の南アメリカ内ではこれらの構想に対してまだ関心度は決して高くないようだが、Guto Requenaはデジタル技術に人類の発展の糸口を見出している。 一方、彼はブラジルにおいて現在注目を浴び始めているデザインを中心としたテレビ番組にも関わっている。Gutoは「学生時代から僕はもっとデザインや建築に関する対話が交わされるべきだと感じていました。私達の国は文化的にはとても豊かだとは思うのですが、実際にまだまだデザインや建築に対する一般的な知識は薄く、まだブラジルにとっては新しいものなのです。個人的な意見として、私達が抱える大きな問題はOscar Niemeyerです。もちろん、彼は匠であり、皆が彼を愛していますが、この60年間おなじ事を繰り返しているだけであり、若い人達が新しく何かを創造するという機会があまりないのです。」ブラジルにおける現代建築の代表格でもあるNiemeyerであるが、ここにきてようやく世代交代の気配が漂い始めているようだ。

このような文化的差異というものはやはり現地における日々の生活を通じて最もその土地勘が養われるものであると感じているが、改めてサンパウロという街は現地の人から見てどのような街なのだろうか。

「サンパウロはとても複雑な街です。観光者では決して識別する事ができない様々な層が惣菜します。とても多様性があり、多文化的です。それは様々なパラドックスを生んでいます。例えば、とても興味深いアンダーグラウンドシーンが存在する一方で、巨大なポップシーンがあります。また、最も裕福で最も貧しい人々が共存しています。サンパウロにあるMorumbiと呼ばれる地域はとても裕福な地域であり、ビルや大富豪の家々が立ち並ぶのですが、その中心に最も大きな貧困エリアもあるのです。表からは巨大な家が見え、その裏庭は巨大な貧困地域、といった具合です。」

まさに新興国ならではの極端な現象が起きているサンパウロであるが、様々な文化的コントラストが彼の作品にも大きく影響しているようだ。例えば、家具やプロジェクトにおいて、自身の感情的な記憶や過去を想起させるような要素を重んじる姿勢そのものすらコントラストが生まれているという。「僕はある椅子を持っているのですが、その椅子には少し傷があります。僕にはとっては新しいかどうかは関係ないのですが、まわりの人々がそれを見た時に”これどうしたの？見た目が悪いからなんとかした方がいいよ”と言うのですが、僕にとってはそこにふくまれる歴史が大切なのです。僕は何もするつもりはないのですが、このような態度はブラジルではあまり一般的ではありません。現在、実に多くの資本がブラジルに流入してきているという意味では、私達はブラジルの歴史上とても特別な瞬間に立ち会っています。僕自身とても恵まれている事は、ここにはまだイノベーティブなアイディアを持ったデザイナーや建築家が多くないため、人と違う発想を持てる事によって多くの人が注目してくれます。ここには資金と何か新しい事に取り組みたいと思っている若者がたくさんいます。」

上記のような経済的な勢いにも後押された要因もあるかもしれないが、Guto Requenaの次回プロジェクトはサンパウロのGoogle支店のデザインだそうだ。そのアイディアの一つにデジタル廃棄物に注目しているそう。何故ならば、ブラジルはアメリカやヨーロッパ等のデジタル機器の廃棄物が極めて多く集められてしまっている場所であり、この課題解決に貢献しながらプロジェクトにも取り組もうとしている。

そもそも何かを創造する際に成果物よりも、そのプロセスに最も重きを置いているGunto Requenaは、現在改めて「ブラジルらしさとは何か？」を問いている。自国アイデンティティを模索する思考の矛先はもちろん今の日本にも多く見られると同時に世界中が改めて向き合っている課題である。そんな中で生まれた行動がブラジル特有の素材やその新たな活用方法の模索、そしてブラジルにとって大きな課題であるゴミ問題を解決するためのリサイクルや再利用への取り組みである。ブラジルにはまだ世界的な文脈における「新素材」と呼べるものはまだまだ少ないが、だからといって海外から全てを輸入するという発想はサステナブルではない。だからこそ、現地のゴミスクラップ上等をはじめ、関心領域から新たな可能性を見出そうとしている。

自分の内なる問題意識と社会的なアウトプットとを結びつける主体的な視点・思考こそがいつの時代にも必要とされる態度ではないだろうか。
著しい経済成長という外部環境に惑わされる事なく問題意識を見つめる冷静な視点と情熱との交点に大きな発展を期待したい。

ちなみに彼の好きなデザイナーはご存知Tokujin Yoshiokaとの事。

Guto Requena Website
http://www.gutorequena.com.br/site/

Kinfolk Magazineは、本来豊かな時間というものは仲間と同じ時間を共有する事の尊さを感じながら、複雑な事を省いたシンプル性があり、また計画されなくても追求できるものであるという価値観を主軸に構成されている。これらの軸にアートやデザインへの愛情を融合させながら日常という時間の積層を大切に育んでいる。Kinfolk Magazineも今では、写真家、コピーライター、ウェブデザイナー、映像作家、ライター等60人もの才能が関わっており（Vol.1の時に比べ大幅に人員が増えている）、それぞれの拠点もニューヨーク、ポートランド、ロサンゼルス、サンフランシスコ、フィラデルフィア、ボストン、トロント、ロンドン等と広域に渡っている。近年、同じ場所にいなくてもネット上の会議等やクラウドサービスの利用により仕事ができる環境が整ってきたとはいえ、やはり日々の時間を共有する事で得られる価値観の交換とそれによって深められる相互理解は簡単にネット上で実現できるものではない。芯のある仕事をするための前提条件は、やはり根底価値の共通基盤が整備されていなければ成し遂げられるものではない。そう考えると、改めてこのKinfolkチームの価値基準の強さと、距離を乗り越えても達成できる共感レベルの高さには圧倒されるものがある。

これらKinfolkの動きは特に日常への尊さを感じているコミュニティに強いインパクトを与え、雑誌を取り扱うショップも徐々に広まり始めている。最近では1997年に生まれたスゥエーデン発のファッションブランドで現在NYやポートランドにもショップを構えるDunderdonでの取扱いが始まるようだ。

そもそもKinfolk Magazineを皆様にもご紹介したい理由、それは、このKinfolkメンバーが紡ぎ出すシンプル且つ強度のある美意識は、現在、特に先進国の中の多くの人々が抱えている「豊かさとは何か？」という問いに対して、解決への糸口が多く隠されていると感じるからである。これらは私達Future Ownership Japanとしても非常に大切にしているテーマの一つである。

Future Ownership Japanの根底にある考え方の一つに、「21世紀は普通の人々の時代である」というものがある。 ここでいう「普通」という言葉は、法規制や産業の大枠のルール決めにおける意思決定に実際的なレベルで関われるごく一部の大企業や資産家、権力者以外の人々を指す。そもそも「普通の人々」の時代でなかった事が大きな問題であると感じているが、ようやく21世紀に少しずつ社会に支配されてきたあらゆる自由や不自由が社会一人一人の手元に戻される時代がくると考えており、私達もそのような時代作りの一旦を担いたいと考えている。

そこでは、社会のあらゆるものが非常にパーソナルな領域に入り込み、それらパーソナルな事が確立されるからこそ、真の意味で社会全体の豊かさもオーナーシップを持って取り組める環境へと移行できる時代である。例えば、衣食住のあり方一つをとっても同じ事が言える。ファッションの場合、一部のファッション産業界が一方的に仕掛ける「トレンド」という名の大量販売装置から人々は距離を置き、それぞれが自分達にとって適切なスタイル、自己表現が可能となる服を自ら選択する。住宅も住宅メーカーが作り上げた「豊かな住空間」という一つの解答から選ぶのではなく、これもまた個々人が本当に必要な住空間を自ら設計し、思い描くようになっていく。誤解の無いように加えるならば、もちろん、それが衣食住や他分野のものであれ、提案された世界観に共感すればそれを選択すればいいだけの話であり、大企業を否定している訳ではない。大切なのは、自らが主体的に選択していく価値基準を醸成していく事、そしてそれら価値観を自覚・意識しながら生きていく事である。

何故、このようにパーソナルな方向へと向かうのか。それは真の豊かさとは内なる心や思考によってのみ得られるものであり、外部から与えられるものではないからである。それを社会は20世紀を通じて大きく学んだ。意識的にも無為意識的にもである。
その反省を踏まえ、21世紀は社会全体が今一度自分達の内なる声に耳を傾け、それらを丁寧に汲み取り、それを実現し、体現していく。それらのプロセスを経て、本当に共感しあえた人達やコミュニティが一つになっていく事で、時代を超える強度のあるものが生まれるのではないだろうか。今回ご紹介しているKinfolk Magazineがそれにあたるか否かは少し大げさに聞こえるかもしれないが、その大きな歩みの一歩を踏んでいる姿が投影されているからこそ、軸のある結果物がそこにあるのではないだろうか。この方向性が正解、という事ではなく、純粋に内なる価値観から発せられたものしか持ち得ない独自の豊かさがここには潜んでいる。

この21世紀へのビジョンの話は非常に深く多角的過ぎるので、また機会を改めて皆様と意見を交換させて頂きたい。

Pictures courtesy of Kinfolk Magazine

Kinfolk Magazine
http://www.kinfolkmag.com/