アナログ写真の魅力を後世に受け継ぐため、新感覚のインスタントフィルムの価値を訴求しているIMPOSSIBLE（以前Future Ownership Japanでも紹介した記事はこちら）。

そんなIMPOSSIBLEが2013年12月3日から仕掛ける展覧会「L’atelier par Impossible」をご紹介したい。

今回の展覧会は、IMPOSSIBLEが昨年末にクラウドファンディングで具現化した新製品「INSTANT LAB」を使った日本初の展覧会となる。

INSTANT LABとはiPhone上に保存されたあらゆる画像データをiPhoneの光でインスタントフィルムに露光する事で写真を現像する事ができるデバイスだ。使用方法も簡単で、Impossible Project Appと呼ばれる専用アプリをiPhoneにインストールしてしまえばすぐに使えるようになる。

いつの時代も技術の進化と表現の進化は切っても切り離せないが、このデバイスも従来には無いクリエイティブな作品制作を可能にしてくれるアイテム。今回の展覧会では、INSTANT LABに取り込まれた歴史的作家達のアトリエ写真を細分化した後、一枚一枚インスタントフィルムに焼き付けてから壁面上で貼りあわせ、それらを巨大なパースペクティヴに再構成したものが展示される。

森山大道氏が撮影した、写真の歴史的人物ニエプスの研究所や、サルバドールダリが晩年を過ごしたアトリエ写真など、様々な時代の幅広いアーティストの創造の現場がアートワークとして現代に蘇る。

展覧会の詳細は下記の通りなので、INSTANT LABの可能性を感じて頂きたい。

日程：12月03日（火曜日） – 1月13日(月曜日)

会場:Impossible Project Space

目黒区青葉台1-20-5 OAK BLD 2F

03-5459-5093　tokyo@the-impossible-project.com

http://impossible-tokyo.tumblr.com/post/68043219116/latelier-par-impossible-by-impossible-instant-lab

OPENING RECEPTION :12月6日金曜日　20時〜22時　（予定）

※ 簡単ではありますが、本展覧会開催を記念し、

美味しいお酒と音楽をお届け致します。皆様お誘い合わせの上ご参加下さい。

デジタル社会だからこそ異彩を放つ「アナログの美学」。

デジタルとアナログという言葉は対比関係として認識されがちであるが、むしろ融和する関係性にある。

伝統が伝統であり続けるためには、絶え間無い革新が求められるように、アナログが今日社会に受け入れられるためには、過去の延長には無い、非連続の発展が求められる。

今回ご紹介したいthe impossible projectはまさに先代達が創出した価値観を現代のバランス感覚によって咀嚼し、蘇生させ、伝達しているプロジェクトである。

IMPOSSIBLEは2008年にこの世から去ってしまったポラロイドカメラの廃工場を元ポラロイド社より買い取り、新感覚のインスタントフィルムを製造・販売している。

当時の製造過程で使われていた材料が存在しないため、「現像液と光の関係性」という原点を軸に、新たな技法や材料によって全く新しいフィルムが作られている。

一度「歴史」と化してしまったものを復元し、再構築するプロセスには無数の難壁が待ち構えている。そんな中、the impossible projectが結束し、活動する目的は、

「アナログ写真が持つ尊い文化を次代へと継承していく」という事に他ならない。

冒頭でも記載した通り、デジタルとアナログは対比関係ではなく、それぞれが異次元に存在する。

「アナログ」というものは、人間にはコントロールできない範疇故に、人間の想像力をさらりと超越し、私達を魅了する独特の価値観を指す。

それは、人間が自然に圧倒されるのと同じような神秘に包まれ、生命への手応えを感じられる世界である。

そんな代替不能な価値観を伝えているIMPOSSIBLE TOKYOは、2013年6月14日～7月21日にかけて、中目黒にあるImpossible Project Spaceにて「対比と退比展」を開催。

過去には、荒木経惟氏や大森大道氏といった名だたる巨匠の作品展も開催したこの場でImpossible filmが織り成す個性豊かな作品の数々が体感できる。

再現性や反復性といった匿名な価値ではなく、唯一無二の表現がここに集結。

是非、人間らしい原感情を感化させてくれる空間に足を運んでみては如何だろうか。

【対比と退比 — Contrast ＆ Regression】

自然環境と密な関係にあるImpossible film。

思ったよりも赤みがかったり、青みがかったり、

意図的ではないその仕上がりも、時に偶然が織りなす芸術と成り得ます。

しかし、その偶然も、実は必然。

撮る場所、撮る時間、撮る物によって、

Impossible filmの仕上がりはいかようにも変化します。

特定の色味が強くでたり、鮮明かと思いきや淡い印象の像になったりと

まるで偶然の産物のように思える仕上がりも、

実は撮影現場の自然環境によるもの。

差し込む光、その時間帯の熱や湿度、その場にある物ものの風合い、

その場のすべてが影響し必然としてうまれます。

【対比と退比 — Contrast ＆ Regression】

前期：対比　6/14（金）〜6/30（日）

後期：退比　7/2（火）〜7/21 （日）

※退比の終演日は変更の可能性があります

前期の対比では、光と温度を軸に、

ライフスタイルの中から魅力あるシーンを切り取り

その関係性を表現することで、偶然を必然へと誘います。

後期の退比では、アーティスト集団 “The Little Shop of Flowers“ とともに、

花とフィルムの”生”の部分をインスタレーション形式で披露いたします。

The Little Shop of Flowers

http://www.thelittleshopofflowers.jp/

前期の対比会期中に、展示作品がどのフィルムで撮影されたかなどの

舞台裏を質問形式でお客様に投げかけ、ご回答にあわせていろいろな特典を

贈呈させていただくイベントもご用意しております。

後期の退比では、7/6（土）にワークショップを開催する予定です。

詳細は近日IMPOSSIBLE NEWSからアナウンスいたしますので、

こまめにチェックしていただけたら嬉しいです。

東京都目黒区青葉台1-20-5 OAK BLD 2F Impossible Tokyo KK

TEL：03-5459-5093

MAIL：tokyo@the-impossible-project.com

本展を通じ、ひとりでも多くの方に、

Impossible filmがいかに自然と密な関係にあるのかを、

伝えることができればと思っています。

IMPOSSIBLE TOKYO

Website : http://www.the-impossible-project.jp/index.html

しかし、瞬時に理解できない情報に直面した際に一種の拒否感や面倒くささのようなものを感じてしまうという事は、新たな学びの機会を放棄しているという事。
それらが定着した社会では、人々は物事を深く考える事を避け、本質から遠ざかり、真の問題や解決すべき課題が見えず、いつまでたっても現状維持のまま、社会として発展する事ができなくなってしまう。

実際、Future Ownership Japanの読者の皆様の多くも、様々な媒体で行われている非本質的、均質的な情報提供に対して強い拒否感を持ち、残念な気持ちになっている方が多いのではないだろうか。
影響力のある立場として、もっと伝えるべき尊い価値があるのに何故、画一的な情報ばかりを発信するのか、と。「情報は消費するものではない」と。

上記の現状は、ジャーナリズムという社会的に必要な職能をも脅威にさらしている。人々の意識が瞬時に理解可能なものに偏重してしまえば、ジャーナリズムの得意分野である「情報の深堀り」に対する価値の軽視を招く。

このような流れに苦しむジャーナリズム界において、ニューヨークで大変興味深い新たなプロジェクト、Narrativelyが今年夏のローンチに向けて準備を整えている。
元GQ、Times, New Yorker, New York Times, The Wall Street Journal等様々なメディアでフリーランスジャーナリストとして携わっていたNoah RosenburgとBrendan Spielgelが立ち上げるこの新たなデジタルプラットフォームは、NYにまつわる物語を1週間に1つ取り上げ、毎日それらを最適且つ異なるなフォーマットにて多角的に描写していく、というもの。月曜日には映像ドキュメンテーション、火曜日には25,000文字の記事、水曜日には写真といった具合である。ここで重要な事は、メディアサイト等で取り上げられる「トップストーリー」ではなく、知られざる人々の物語のみを伝える事が目的である、という事。

トップストーリーに取り上げられる事が重要で、そうでないものは重要ではない、という判断基準では無く、共に社会を共有する者に対する敬意をきちんと図る事は社会の健全性のために欠かせない要素ではないだろうか。
情報発信のペースをあえて緩め、如何に私達は「知らないか」という事を改めて突きつけるこのプロジェクトは、物事の多層な価値を見れる視野を育む一つの方法ではないかと感じている。

掲載コンテンツに関しては明らかではないが、一部公開予定のものとしては、何十年もアンティーク眼鏡を収集している80歳の女性の話、知られざる男性ストリッパーの日常物語等、通常のメディアサイトではなかなか取り上げられないようなコンテンツである。
これらは、社会の一人一人に物語がある、という考えの元、よりニューヨークに対する多様性を理解して欲しいとの願いが込められている。

「昔からローカルに根ざした上でジャーナリズムやストーリー・テリングを実現する場を夢見ていました。美しい物語を伝える事を目的に、美しい物語を伝えたいのです。」とNoahは話す。

事業収益としては、イベントへの参加権等やebook、限定コンテンツが手に入るプレミアム会員（月数ドルを検討中）やイベント参加費等を予定しているという。個人的に興味深い事は、人々が1つのテーマに対して1週間毎日サイトに訪れる、というモデルが構築できるとなれば、例えば広告のあり方を変える可能性もあり、メディアサイトの収益化に新たな選択肢が生まれるかもしれないという事であるが、これはまだ先の話になりそうなので言及を控えたい。

当然、サイトローンチはあくまでの初手に過ぎず、今後Narrativelyのビジョンとしては、ローカルメディアの新たな方向性を示し、ニューヨークだけでなくあらゆるローカル地域に発展させ、ジャーナリズム価値を高める事に尽力する、というものを掲げている。

現在、Kickstarterでも5万ドルの資金調達を希望しているが、このジャーナリズムの本域を取り戻しながら、ジャーナリズムの未来を構築する旅はとても有意義なため、その成功を私達Future Ownership Japanも応援している。

Website
http://launch.narrative.ly/?r=http://www.kickstarter.com/projects/narratively/narratively

San Carlosに位置し、ブラジル中から30名の研究家達が集う”Nomads”と呼ばれるグループで学位と博士号を取得したGuto Requena。このNomadsはデジタルカルチャーが如何に私達人間とデザインの関係性や都市開発のあり方に影響を与えるかが中心的な関心領域であり、デジタルカルチャーにおける動向、行動パターン、習性等を研究している。柔軟性や多機能性に強い関心のあるGuto Requenaは、Nomads卒魚後の2008年に自身の建築スタジオを設立し、住宅、商業ビルや家具の開発を行なってきた。

大学卒業後すぐに自身のスタジオ設立、と聞くと、やはり気になるのは初期のクライアントを如何に開拓していったのか、という事ではないだろうか。
どうやらそこは純粋に仲間に恵まれた結果だと本人は話す。始めは友人の住宅を手掛け、そこからは友人の紹介を経由して仕事が広がっていったそうだ。また、デザイン界における学術側の人脈があったため、国中をまわりレクチャーやワークショップも行なっていた。

そんな彼の夢は人々の行動特性を考慮した上でのインタラクティブなビルをブラジル市内に建設する事だそう。現段階の南アメリカ内ではこれらの構想に対してまだ関心度は決して高くないようだが、Guto Requenaはデジタル技術に人類の発展の糸口を見出している。 一方、彼はブラジルにおいて現在注目を浴び始めているデザインを中心としたテレビ番組にも関わっている。Gutoは「学生時代から僕はもっとデザインや建築に関する対話が交わされるべきだと感じていました。私達の国は文化的にはとても豊かだとは思うのですが、実際にまだまだデザインや建築に対する一般的な知識は薄く、まだブラジルにとっては新しいものなのです。個人的な意見として、私達が抱える大きな問題はOscar Niemeyerです。もちろん、彼は匠であり、皆が彼を愛していますが、この60年間おなじ事を繰り返しているだけであり、若い人達が新しく何かを創造するという機会があまりないのです。」ブラジルにおける現代建築の代表格でもあるNiemeyerであるが、ここにきてようやく世代交代の気配が漂い始めているようだ。

このような文化的差異というものはやはり現地における日々の生活を通じて最もその土地勘が養われるものであると感じているが、改めてサンパウロという街は現地の人から見てどのような街なのだろうか。

「サンパウロはとても複雑な街です。観光者では決して識別する事ができない様々な層が惣菜します。とても多様性があり、多文化的です。それは様々なパラドックスを生んでいます。例えば、とても興味深いアンダーグラウンドシーンが存在する一方で、巨大なポップシーンがあります。また、最も裕福で最も貧しい人々が共存しています。サンパウロにあるMorumbiと呼ばれる地域はとても裕福な地域であり、ビルや大富豪の家々が立ち並ぶのですが、その中心に最も大きな貧困エリアもあるのです。表からは巨大な家が見え、その裏庭は巨大な貧困地域、といった具合です。」

まさに新興国ならではの極端な現象が起きているサンパウロであるが、様々な文化的コントラストが彼の作品にも大きく影響しているようだ。例えば、家具やプロジェクトにおいて、自身の感情的な記憶や過去を想起させるような要素を重んじる姿勢そのものすらコントラストが生まれているという。「僕はある椅子を持っているのですが、その椅子には少し傷があります。僕にはとっては新しいかどうかは関係ないのですが、まわりの人々がそれを見た時に”これどうしたの？見た目が悪いからなんとかした方がいいよ”と言うのですが、僕にとってはそこにふくまれる歴史が大切なのです。僕は何もするつもりはないのですが、このような態度はブラジルではあまり一般的ではありません。現在、実に多くの資本がブラジルに流入してきているという意味では、私達はブラジルの歴史上とても特別な瞬間に立ち会っています。僕自身とても恵まれている事は、ここにはまだイノベーティブなアイディアを持ったデザイナーや建築家が多くないため、人と違う発想を持てる事によって多くの人が注目してくれます。ここには資金と何か新しい事に取り組みたいと思っている若者がたくさんいます。」

上記のような経済的な勢いにも後押された要因もあるかもしれないが、Guto Requenaの次回プロジェクトはサンパウロのGoogle支店のデザインだそうだ。そのアイディアの一つにデジタル廃棄物に注目しているそう。何故ならば、ブラジルはアメリカやヨーロッパ等のデジタル機器の廃棄物が極めて多く集められてしまっている場所であり、この課題解決に貢献しながらプロジェクトにも取り組もうとしている。

そもそも何かを創造する際に成果物よりも、そのプロセスに最も重きを置いているGunto Requenaは、現在改めて「ブラジルらしさとは何か？」を問いている。自国アイデンティティを模索する思考の矛先はもちろん今の日本にも多く見られると同時に世界中が改めて向き合っている課題である。そんな中で生まれた行動がブラジル特有の素材やその新たな活用方法の模索、そしてブラジルにとって大きな課題であるゴミ問題を解決するためのリサイクルや再利用への取り組みである。ブラジルにはまだ世界的な文脈における「新素材」と呼べるものはまだまだ少ないが、だからといって海外から全てを輸入するという発想はサステナブルではない。だからこそ、現地のゴミスクラップ上等をはじめ、関心領域から新たな可能性を見出そうとしている。

自分の内なる問題意識と社会的なアウトプットとを結びつける主体的な視点・思考こそがいつの時代にも必要とされる態度ではないだろうか。
著しい経済成長という外部環境に惑わされる事なく問題意識を見つめる冷静な視点と情熱との交点に大きな発展を期待したい。

ちなみに彼の好きなデザイナーはご存知Tokujin Yoshiokaとの事。

Guto Requena Website
http://www.gutorequena.com.br/site/

元々この地区は12世紀頃に交易所として発展を遂げたが、1945年以降、ドイツ敗戦と共に中央地区としての求心力を失った。当然、地価も急降下する訳だが、それがどんな場所であれ、このような状況を絶好の機会として見逃さないのがアーティスト達である。ニューヨークのチェルシー地区やミートパッキング地区も家賃が安いという理由で、若手アーティスト達のような創造意欲旺盛な人種が集まった訳だが、ここミッテ地区も同じ現象が起きた。アーティストや若い才能がギャラリーやカフェを始めると、才能が才能を集め、今では荒れ果てた工場跡地はクラブとなり、ファッションブランドが産声をあげ、そのアートシーン自体をロンドンやニューヨークのギャラリーオーナーやキュレーターが注目するといった具合だ。

アート地区として名実共に注目を浴びるこのミッテ地区であったが、現代アートやその土地に根ざしたアーティスト達の作品を展示する場所は欠けており、その穴埋めをしたのがまさにChristian Borosである。コレクションスペースでもあり、居住スペースでもあるこの空間は「アートはイベントではありません。多くの人はそれを忘れがちです」と話すChristian Borosにとって自身の人生にとって切り離せないものと共存する一つの形である。

映像にあるChristian Borosのドキュメント映像から大切なメッセージが込められている彼の言葉をまとめたのでもし興味があればご一読願いたい。他のインタビュー内容は2012年に公開される予定なので、後日ご紹介したいと思う。

「自分のいる空間に慣れないという喜びがある。」

「私は自分が集めるアート作品に対して一目惚れをする事はありません。出会って瞬時に買う事は無く、少し思いを眠らせるのです。単に心地よいという間違った理由により惹かれてしまう事がありますが、本来は少し苦しみや痛みが伴わなければ時を生き抜く意義は獲得できません。また、私達はあまり好まないものを買う事が好きです。大抵そのようなものは二度目の出会いと共に恋に落ちます。」

「私は昔から妻とアートが共存している空間を求めていました。一つの空間がアート用、もう一つが自分達、というような分離は避けたかったのです。アートの上に生活がある今は最高ですよ。」

「多くの夫婦の場合、どちらかが修正・中和役になりますが、私達の場合は互いをよりラディカルな方向へと導きます。」

「ここにある作品は全てパーソナルな物語の触媒となるものばかりです。昔、妻とのアジア旅行中に購入した家具があるのですが、それらを見渡すと今でも一つ一つの物語が脳を駆け巡ります。」

「私達はオラファー・エリアソンの作品が大好きです。私達が購入したほとんどの作品とは一緒に生活する事はできませんがね。倉庫に入らない8mの彫刻も保有していますが、これは一度購入したら、その後は倉庫で眠る事となってしまいます。」

「どういうわけか、私は常に問題へと引き込まれてしまいます。お金はなくなり、髪の毛もなくなりました。問題というのは解決する事はできないのです。唯一できる事は、一つの問題を新たな問題と取り替える事です。」

「もし、火事が起きてしまったら私はペイトンの作品を両手に逃げますね。」

Photos via REAL LIFE IS ELSEWHERE

Kinfolk Magazineは、本来豊かな時間というものは仲間と同じ時間を共有する事の尊さを感じながら、複雑な事を省いたシンプル性があり、また計画されなくても追求できるものであるという価値観を主軸に構成されている。これらの軸にアートやデザインへの愛情を融合させながら日常という時間の積層を大切に育んでいる。Kinfolk Magazineも今では、写真家、コピーライター、ウェブデザイナー、映像作家、ライター等60人もの才能が関わっており（Vol.1の時に比べ大幅に人員が増えている）、それぞれの拠点もニューヨーク、ポートランド、ロサンゼルス、サンフランシスコ、フィラデルフィア、ボストン、トロント、ロンドン等と広域に渡っている。近年、同じ場所にいなくてもネット上の会議等やクラウドサービスの利用により仕事ができる環境が整ってきたとはいえ、やはり日々の時間を共有する事で得られる価値観の交換とそれによって深められる相互理解は簡単にネット上で実現できるものではない。芯のある仕事をするための前提条件は、やはり根底価値の共通基盤が整備されていなければ成し遂げられるものではない。そう考えると、改めてこのKinfolkチームの価値基準の強さと、距離を乗り越えても達成できる共感レベルの高さには圧倒されるものがある。

これらKinfolkの動きは特に日常への尊さを感じているコミュニティに強いインパクトを与え、雑誌を取り扱うショップも徐々に広まり始めている。最近では1997年に生まれたスゥエーデン発のファッションブランドで現在NYやポートランドにもショップを構えるDunderdonでの取扱いが始まるようだ。

そもそもKinfolk Magazineを皆様にもご紹介したい理由、それは、このKinfolkメンバーが紡ぎ出すシンプル且つ強度のある美意識は、現在、特に先進国の中の多くの人々が抱えている「豊かさとは何か？」という問いに対して、解決への糸口が多く隠されていると感じるからである。これらは私達Future Ownership Japanとしても非常に大切にしているテーマの一つである。

Future Ownership Japanの根底にある考え方の一つに、「21世紀は普通の人々の時代である」というものがある。 ここでいう「普通」という言葉は、法規制や産業の大枠のルール決めにおける意思決定に実際的なレベルで関われるごく一部の大企業や資産家、権力者以外の人々を指す。そもそも「普通の人々」の時代でなかった事が大きな問題であると感じているが、ようやく21世紀に少しずつ社会に支配されてきたあらゆる自由や不自由が社会一人一人の手元に戻される時代がくると考えており、私達もそのような時代作りの一旦を担いたいと考えている。

そこでは、社会のあらゆるものが非常にパーソナルな領域に入り込み、それらパーソナルな事が確立されるからこそ、真の意味で社会全体の豊かさもオーナーシップを持って取り組める環境へと移行できる時代である。例えば、衣食住のあり方一つをとっても同じ事が言える。ファッションの場合、一部のファッション産業界が一方的に仕掛ける「トレンド」という名の大量販売装置から人々は距離を置き、それぞれが自分達にとって適切なスタイル、自己表現が可能となる服を自ら選択する。住宅も住宅メーカーが作り上げた「豊かな住空間」という一つの解答から選ぶのではなく、これもまた個々人が本当に必要な住空間を自ら設計し、思い描くようになっていく。誤解の無いように加えるならば、もちろん、それが衣食住や他分野のものであれ、提案された世界観に共感すればそれを選択すればいいだけの話であり、大企業を否定している訳ではない。大切なのは、自らが主体的に選択していく価値基準を醸成していく事、そしてそれら価値観を自覚・意識しながら生きていく事である。

何故、このようにパーソナルな方向へと向かうのか。それは真の豊かさとは内なる心や思考によってのみ得られるものであり、外部から与えられるものではないからである。それを社会は20世紀を通じて大きく学んだ。意識的にも無為意識的にもである。
その反省を踏まえ、21世紀は社会全体が今一度自分達の内なる声に耳を傾け、それらを丁寧に汲み取り、それを実現し、体現していく。それらのプロセスを経て、本当に共感しあえた人達やコミュニティが一つになっていく事で、時代を超える強度のあるものが生まれるのではないだろうか。今回ご紹介しているKinfolk Magazineがそれにあたるか否かは少し大げさに聞こえるかもしれないが、その大きな歩みの一歩を踏んでいる姿が投影されているからこそ、軸のある結果物がそこにあるのではないだろうか。この方向性が正解、という事ではなく、純粋に内なる価値観から発せられたものしか持ち得ない独自の豊かさがここには潜んでいる。

この21世紀へのビジョンの話は非常に深く多角的過ぎるので、また機会を改めて皆様と意見を交換させて頂きたい。

Pictures courtesy of Kinfolk Magazine

Kinfolk Magazine
http://www.kinfolkmag.com/

では、仮にそうだとしてもそれの何が問題なのか。何故、今日それを考える必要があるのか。それは、日本という小さな島国が類い稀な高度経済成長の中で画一的な「ライフスタイル」や「豊かさ」を追い求めた結果、それらが真の豊かさではなかった事に多くの人々が「実感レベル」で気付いた今だからこそ、改めて「豊かさ」の再考がなされる必要があり、「豊かさ」を考える上で日常を構成する「ライフスタイル」という生きる営みの根底にある土台からもう一度見直す必要があるからである。

近年の論調の一つに「物資的」豊かさの否定し、「精神的」豊かさを追求しよう、という内容のものがあるが、決して豊かさとは物資的か精神的か、という二項対立では成立しえない。むしろ、それらが調和した上で成り立つ交点を探さなければ豊かさとは存在しないのではないだろうか。物資的な「モノ」が悪なのではなく、それを手にした時の判断軸や視点・視座に豊かさの源泉が伴っていなかった事が豊かさを感じない原因の一つではないだろうか。つまり、ただ「モノ」を保有する事と、その「モノ」が持つ心や果たす意義、また目の前の「モノ」とそれを買う人の間で関係が終わるのではなく、より大きな社会的な循環や役割を担う一つの潤滑油として機能する「モノ」を丁寧に選び抜いた上で保有するのとではまるで意味が違う。

大切な事は自分自身が求めるライフスタイルのあり方、生き方の軸となる価値観をしっかりと持つ事。生活にもビジョンが必要であり、それは一人一人が必ず描けるものだと信じている。

そんな意識から、今回は自身の「ライフスタイル」というものを丁寧に構築している一人であるAndrea Brugiをご紹介したい。

Andrea Brugiは小さな塩瓶、棚、木の個性に逆らわずに作ったカッティングボード、ダイニングテーブル、ベンチ、巨大な彫刻等を作る、一人の作り手である。飾り気が無く、愚直でありながら、とてもコンテンポラリーな気配を持つ彼の作品におけるデザイン哲学はこう表現されている、「自分は形を作らない。形は既に素材の中に込められている。」

実は今回はあまり多くは語らず、写真にその意義を語ってもらいたいと考えている。あまりにも雄弁な写真なので十分に伝わるのではないかと感じている。ウェブサイトも写真中心の静的なサイトで素晴らしいので是非。
一点加えるとすれば、ライフスタイルとはそもそも多様な解釈があるべきものであり、今回ご紹介しているあり方は、あくまでも自身と向き合い、価値観に正直に生きた結果紡ぐ事ができた一つのライフスタイルとして捉えて頂きたい。

最後に、人間には「慣れ」という恐ろしい感度低下装置を瞬時に発動させる力を持っており、日常的に頻出する物事にこそあまり目や心が配られない。人は意識しなければ、基本的には「変化」に敏感な生き物であり、一見常態化しているような事象に対してはどうしても興味や問題意識の優先順位が落ちてしまいがちな側面を持っている。だからこそ、日常的に使われる「ライフスタイル」の意味を今後改めて再考したい。このテーマは一夜で終わるものではないので、今後、様々な角度から色々と意見を交わして行きたいと思っている。

Pictures courtesy of Andrea Brugi

Andrea Brugi Website
http://www.andreabrugi.com/

1983年ドイツ生まれのMarkus KayserはLondon Metropolitan大学にて4年間3D家具とプロダクトデザインを学び、その後2年間Royal College of Artにてプロダクトデザインの勉強を続け、2011年イギリスはロンドンにて自身のスタジオを設立した。

初期の家具や照明器具の作品を通じて素材やデザインプロセス、技術への理解を深めたMarkus Kayserは、そのプロダクトが持つ実利的な側面を超越した価値を語りかけ、個々人がより深い繋がりが持てるプロダクトを作りたいと考えている。実験的である事は彼のデザインプロセスの中心的価値の一つでありながらも、コンセプトの背景に入念な研究と考え抜かれた理論とが同居する事が、対象となるテーマにおける真のポテンシャルを解明するためには重要であると考えている。

また、Markus Kayserは真剣さとユーモアのバランスを取りながら物語を伝えようと試みている。これにより、プロダクトや作品における深みを失う事なく、より人々にとって消化されやすいものとなる。
新たに設立されたデザインスタジオの目的は、新しい技術、そして忘れ去られてしまった技術をデザイン制作に反映させながらその可能性を探り、科学、アート、エンジニアリングといった一見異なる分野の境界線を曖昧にしていく事である。

そんなMarkus Kayserのプロジェクトの一つを今回ご紹介したい。その名は「Solar-Sinter Project」、すなわち「太陽光焼結プロジェクト」である。

エネルギー生産やあらゆる原料不足の課題が加速する時代を背景に、本プロジェクトではエネルギーや原料が潤沢にある砂漠での製造可能性を探る事が目的である。この実験では、ガラス製造物を作るために3D印刷技術を応用し、太陽光と砂がそれらを生産するためのエネルギー源及び素材として活用される。砂と太陽への着目はそもそもこれらが世界中に大量に存在するからである。砂に含まれる二酸化ケイ素はガラス、コンクリート、半導体の絶縁体などの材料として使われる。融点に達したケイ素を冷やす事でガラスが作られるのであるが、このような粉状素材を熱加工する事によって固体化する事を焼結と呼び、これらは近年3D印刷によるプロトタイプ制作等に用いられる技法である。通常、3D印刷を行う場合はレーザー技術を用いる事で粉状のプラスチック、樹脂や金属を正確な3D物体に仕上げるのであるが、今回の実験ではそのレーザーのかわりに太陽光、樹脂の代わりに砂を利用してみようという試みである。

2011年2月に作った最初の太陽光焼結機はモロッコの砂漠で実験が行われ、その頃はまだマニュアル稼働のものであった。その後、2011年5月頃には動画にもあるようなコンピューターによる自動化に成功し、今回はサハラ砂漠にで実験が行われた。

このプロジェクトは未来の製造業に対する疑問を投げかけると同時に、地球上における最も効率的なエネルギー源である太陽光が如何なる潜在力を秘めているのか、その可能性を覚醒させるきっかけを目指す。
決して決定的な答えを示すものではないが、新たな着想としての出発点として本プロジェクトを捉えて頂きたい。どんなに社会貢献度が高いものや人類への功績が大きいものも、その出発点は決して目立つものではないかもしれないが、必ず独特の輝きがある。
それらを丁寧に汲み上げられる社会の目がその醸成には不可欠である。

Photos via Markus Kayser Website

Markus Kayser Website
http://www.markuskayser.com/’http://www.markuskayser.com/’/about-this-site//’

そこで今回ご紹介する手仕事の担い手は、ニューヨークを拠点とする41歳の木工職人・デザイナーであり、Black Creek Mercantile & Trading Co.という自身の会社の共同創業者でもあるJoshua Vogel。事業内容は主に唯一無二の彫刻作品や木工プロダクト・家具のデザイン及び製造を担っている。商品の材料として生き物である木材を利用しているため、Black Creek Mercantile & Trading Co.では資源を最大限活かし、ゴミを最小にする取り組みを行うと共に、商品の均一性を図る事によって環境負荷を高めるのではなく、その時に仕入可能な木材や状態によって商品の角度や材質が異なる姿勢を貫く事で無理の無い生産を行なっている。材料が自然物であるため、出来上がる商品にも自然な仕上がりを求めるという、「自然」と寄り添う哲学を保有している。

そんなJoshua VogelはNew Mexico State大学時代に人類学と美術史を学び、University of Oregonにて建築を学んだJoshua Vogelはこの当時からより真剣に木材と向き合い始めたという。（実際にJoshuaは5歳位から木と戯れているような少年だったそうだ。）
木材を扱う仕事の関係上、Joshuaは仕事の拠点を森へと移し、森と共存する事を選んだ。同じように木材を必要とする他事業者との関係性を構築すると共に、自分達が望む仕事のあり方・進め方を実現し、住みたい環境に身を置く事を重視した結果である。また、森と共存する事で自分自身大きなエネルギーを受信できると共に、対外的にも自分達がどのようなプロダクトを作りたいか、どのような思想背景を持っているか、というイメージやビジョンが共有しやすいのだという。木の事は木に囲まれた環境で考えよう、という真っ直ぐな姿勢とメッセージが伺える。働き方と生き方がまさしく一致している好例ではないだろうか。

このような選択をする背景はJoshuaのこのような言葉からも理解できる。「私は強い文化的そして歴史的個性のある街が大好きです。地理的・環境的要素がどのようにしてユニークなコミュニティ形成に反映されているのかという事にとても関心があります。また、それらの要素を一つの限界としてではなく、一つの性格・特質として包括できる街はとても素晴らしいと思います。ベネチアはその代表的な例ではないでしょうか。」

そんな歴史的価値に敬意を払うJoshuaが抱える近年の問題意識として、「一般的な進化の尺度」に対する疑問があるようである。

Joshua曰く、「一人の作り手として、新しい事は必ずしも良い事ではないと言えます。そして建築の学び手として、私は”再利用の適用”に関する強い提案者でもあります。実際的な意味合いで、私達は発展、そして短期的な経済成長という名の元に地域史を取り壊す事に対して細心の注意を払う必要があると考えています。」

そもそもJoshuaの歴史に対する考え方は木工職人として木々に触れる日々を送る中で強固になっていった価値観かもしれない。Joshuaは次のように語っています。

「木や木材には私達の人生のように時間的な側面があります。その時間性に強い関心があるからこそ、私は物語が大好きです。何故ならば、物語とは常に時空間を遡るものだからです。そして木々が持つ物語も同じように時空間を遡る事で得る事ができます。木を削る時、私は木の人生の中に入り込み、そしてその歴史に入り込んでいるのです。」

「木は偉大なる先生です。私は木工職人と名乗っていますが、それはあくまでもデザイナーや作り手としてはほんの小さな側面に過ぎません。木は自分達の行動に対する反応を示し、それらは例えば石等に比べれば理解し易いものではないでしょうか。木は人生に対するアプローチが私達人間よりもストイックです。木を人格化させるのではなく、木のどの部分に私達人間を見出すか、という視点により多くを学べるのではないでしょうか。”生きる”という原理を愚直に実行する事。それは木から教わる大きな教訓ではないでしょうか。」

今日、日本においても手仕事への関心度や敬意の高まりを少しずつ感じるが、これは日本に限った事ではない。アメリカでも手仕事への敬意が散見される。その背景には、時代の不透明さ故に目の前の確かなものを希求する精神、豊かさの再考・再定義の加速化、身体性と働く事の融合を始め人によって多様な答えがあるかとは思うが、いずれしても「生きる事」と「働く事」に矛盾が無い事、これが最も尊い価値観であり、意識的にも無意識的にもこの価値観の目覚めが広がる事が大切ではないだろうか。このテーマに関してはまた別の機会に考えてみたいと思う。

Photography courtesy of Garden Design

Black Creek Mercantile & Trading Co.
http://www.blackcreekmt.com/index.html