デジタル社会だからこそ異彩を放つ「アナログの美学」。

デジタルとアナログという言葉は対比関係として認識されがちであるが、むしろ融和する関係性にある。

伝統が伝統であり続けるためには、絶え間無い革新が求められるように、アナログが今日社会に受け入れられるためには、過去の延長には無い、非連続の発展が求められる。

今回ご紹介したいthe impossible projectはまさに先代達が創出した価値観を現代のバランス感覚によって咀嚼し、蘇生させ、伝達しているプロジェクトである。

IMPOSSIBLEは2008年にこの世から去ってしまったポラロイドカメラの廃工場を元ポラロイド社より買い取り、新感覚のインスタントフィルムを製造・販売している。

当時の製造過程で使われていた材料が存在しないため、「現像液と光の関係性」という原点を軸に、新たな技法や材料によって全く新しいフィルムが作られている。

一度「歴史」と化してしまったものを復元し、再構築するプロセスには無数の難壁が待ち構えている。そんな中、the impossible projectが結束し、活動する目的は、

「アナログ写真が持つ尊い文化を次代へと継承していく」という事に他ならない。

冒頭でも記載した通り、デジタルとアナログは対比関係ではなく、それぞれが異次元に存在する。

「アナログ」というものは、人間にはコントロールできない範疇故に、人間の想像力をさらりと超越し、私達を魅了する独特の価値観を指す。

それは、人間が自然に圧倒されるのと同じような神秘に包まれ、生命への手応えを感じられる世界である。

そんな代替不能な価値観を伝えているIMPOSSIBLE TOKYOは、2013年6月14日～7月21日にかけて、中目黒にあるImpossible Project Spaceにて「対比と退比展」を開催。

過去には、荒木経惟氏や大森大道氏といった名だたる巨匠の作品展も開催したこの場でImpossible filmが織り成す個性豊かな作品の数々が体感できる。

再現性や反復性といった匿名な価値ではなく、唯一無二の表現がここに集結。

是非、人間らしい原感情を感化させてくれる空間に足を運んでみては如何だろうか。

【対比と退比 — Contrast ＆ Regression】

自然環境と密な関係にあるImpossible film。

思ったよりも赤みがかったり、青みがかったり、

意図的ではないその仕上がりも、時に偶然が織りなす芸術と成り得ます。

しかし、その偶然も、実は必然。

撮る場所、撮る時間、撮る物によって、

Impossible filmの仕上がりはいかようにも変化します。

特定の色味が強くでたり、鮮明かと思いきや淡い印象の像になったりと

まるで偶然の産物のように思える仕上がりも、

実は撮影現場の自然環境によるもの。

差し込む光、その時間帯の熱や湿度、その場にある物ものの風合い、

その場のすべてが影響し必然としてうまれます。

【対比と退比 — Contrast ＆ Regression】

前期：対比　6/14（金）〜6/30（日）

後期：退比　7/2（火）〜7/21 （日）

※退比の終演日は変更の可能性があります

前期の対比では、光と温度を軸に、

ライフスタイルの中から魅力あるシーンを切り取り

その関係性を表現することで、偶然を必然へと誘います。

後期の退比では、アーティスト集団 “The Little Shop of Flowers“ とともに、

花とフィルムの”生”の部分をインスタレーション形式で披露いたします。

The Little Shop of Flowers

http://www.thelittleshopofflowers.jp/

前期の対比会期中に、展示作品がどのフィルムで撮影されたかなどの

舞台裏を質問形式でお客様に投げかけ、ご回答にあわせていろいろな特典を

贈呈させていただくイベントもご用意しております。

後期の退比では、7/6（土）にワークショップを開催する予定です。

詳細は近日IMPOSSIBLE NEWSからアナウンスいたしますので、

こまめにチェックしていただけたら嬉しいです。

東京都目黒区青葉台1-20-5 OAK BLD 2F Impossible Tokyo KK

TEL：03-5459-5093

MAIL：tokyo@the-impossible-project.com

本展を通じ、ひとりでも多くの方に、

Impossible filmがいかに自然と密な関係にあるのかを、

伝えることができればと思っています。

IMPOSSIBLE TOKYO

Website : http://www.the-impossible-project.jp/index.html

しかし、瞬時に理解できない情報に直面した際に一種の拒否感や面倒くささのようなものを感じてしまうという事は、新たな学びの機会を放棄しているという事。
それらが定着した社会では、人々は物事を深く考える事を避け、本質から遠ざかり、真の問題や解決すべき課題が見えず、いつまでたっても現状維持のまま、社会として発展する事ができなくなってしまう。

実際、Future Ownership Japanの読者の皆様の多くも、様々な媒体で行われている非本質的、均質的な情報提供に対して強い拒否感を持ち、残念な気持ちになっている方が多いのではないだろうか。
影響力のある立場として、もっと伝えるべき尊い価値があるのに何故、画一的な情報ばかりを発信するのか、と。「情報は消費するものではない」と。

上記の現状は、ジャーナリズムという社会的に必要な職能をも脅威にさらしている。人々の意識が瞬時に理解可能なものに偏重してしまえば、ジャーナリズムの得意分野である「情報の深堀り」に対する価値の軽視を招く。

このような流れに苦しむジャーナリズム界において、ニューヨークで大変興味深い新たなプロジェクト、Narrativelyが今年夏のローンチに向けて準備を整えている。
元GQ、Times, New Yorker, New York Times, The Wall Street Journal等様々なメディアでフリーランスジャーナリストとして携わっていたNoah RosenburgとBrendan Spielgelが立ち上げるこの新たなデジタルプラットフォームは、NYにまつわる物語を1週間に1つ取り上げ、毎日それらを最適且つ異なるなフォーマットにて多角的に描写していく、というもの。月曜日には映像ドキュメンテーション、火曜日には25,000文字の記事、水曜日には写真といった具合である。ここで重要な事は、メディアサイト等で取り上げられる「トップストーリー」ではなく、知られざる人々の物語のみを伝える事が目的である、という事。

トップストーリーに取り上げられる事が重要で、そうでないものは重要ではない、という判断基準では無く、共に社会を共有する者に対する敬意をきちんと図る事は社会の健全性のために欠かせない要素ではないだろうか。
情報発信のペースをあえて緩め、如何に私達は「知らないか」という事を改めて突きつけるこのプロジェクトは、物事の多層な価値を見れる視野を育む一つの方法ではないかと感じている。

掲載コンテンツに関しては明らかではないが、一部公開予定のものとしては、何十年もアンティーク眼鏡を収集している80歳の女性の話、知られざる男性ストリッパーの日常物語等、通常のメディアサイトではなかなか取り上げられないようなコンテンツである。
これらは、社会の一人一人に物語がある、という考えの元、よりニューヨークに対する多様性を理解して欲しいとの願いが込められている。

「昔からローカルに根ざした上でジャーナリズムやストーリー・テリングを実現する場を夢見ていました。美しい物語を伝える事を目的に、美しい物語を伝えたいのです。」とNoahは話す。

事業収益としては、イベントへの参加権等やebook、限定コンテンツが手に入るプレミアム会員（月数ドルを検討中）やイベント参加費等を予定しているという。個人的に興味深い事は、人々が1つのテーマに対して1週間毎日サイトに訪れる、というモデルが構築できるとなれば、例えば広告のあり方を変える可能性もあり、メディアサイトの収益化に新たな選択肢が生まれるかもしれないという事であるが、これはまだ先の話になりそうなので言及を控えたい。

当然、サイトローンチはあくまでの初手に過ぎず、今後Narrativelyのビジョンとしては、ローカルメディアの新たな方向性を示し、ニューヨークだけでなくあらゆるローカル地域に発展させ、ジャーナリズム価値を高める事に尽力する、というものを掲げている。

現在、Kickstarterでも5万ドルの資金調達を希望しているが、このジャーナリズムの本域を取り戻しながら、ジャーナリズムの未来を構築する旅はとても有意義なため、その成功を私達Future Ownership Japanも応援している。

Website
http://launch.narrative.ly/?r=http://www.kickstarter.com/projects/narratively/narratively

ローマとミラノにて広告関連の仕事をしていたLorenzo de Ritaはある日、Wieden+Kennedyからアムステルダム事務所にてNikeの広告を担当して欲しいという依頼が舞い込んだ。そのとき、自分はやりたくなかったが、他の誰もが引き受けなかったので、仕方なく引き受けたという。その後、職を移り、今度はアムステルダムに拠点を置く広告代理店の180にて、Adidasのグローバルクリエイティブ・ディレクターとして歩み始めた。しかし、そのときのLorenzo de Ritaはより一層、広告業界が持つ「監獄」のような性質に閉塞感を感じていたという。その心理をLorenzo de Ritaはこのように話す。「どんなに自分がやっている事が詩的であったり、人と違う要素があったとしても、それらは自分が求める詩的レベルではなかったのです。」

そんなLorenzoは仕事が辞めたくても、やはり子供が四人もいた状況では考えざるを得ない状況だった。そんな時、イタリアのパスタメーカーのBarillaからオファーが舞い込んだ。その時のBarillaは、オファーを断られないよう、莫大な報酬を条件として提示したが、Lorenzoはそれを断った。さすがに驚いたBarillaの上層部達は何故今回の話を断るのか、その理由を確かめるために部下を送り込んだ。

そこで、Lorenzoは自分のThe Soon Institute構想の話を提示し、結果的になんと最初のプロトタイプ20個分に対してBarillaは資金を出したという。

さて、ここらで気になる事を少し解き明かしていきたい。「そもそもThe Soon Instituteとは何だろうか？」という事を。

この質問をぶつけられた本人はこう答えている。「そうですね。。実はこの機関を”何なのか”という事と結びつける事にとても葛藤があります。定義とは、物事を完成され、閉ざされたものへと縛りつけるリスクがあります。しかし、その名前から、この機関は既に未完であり、不明確であり、予測不可能である事が推測できます。強いて言うならば、それは一つの視点であり、物事を違う角度から捉えるという事です。物事が既に保有する性質そのものではなく、それらがどのような可能性を秘めているのか、又はどのようであるべきかを捉える視点です。私達は、可能性を探る過程で出会った興味深い物事を来るべき社会モデルとしてのプロトタイプへと昇華させます。」

これらの「プロトタイプ」と呼ばれるものは、もちろん具現化される。その一例がjointhepipe.orgだ。このプロトタイプの目的は、世界の水不足に悩む人達を救う事である。そこで、Lorenzo達は互いに結合できる水道管に似せたウォーターボトルをデザインした。再利用プラスチックにより作られたこのボトルは、プロジェクト参加者全員に渡され、これらの収益は全て発展途上国における井戸開発に利用される。より多くの人々がこのプロジェクトに参加する事で、「水道管」が長くなり、水不足に悩む人々を減らす事だ。

これら以外にも、冒頭で挙げた「インターネットを物理的な空間にする実験」や「ラグビー戦術から学ぶ新たな社会政策」、「風の要素をウェブサイトに適用する方法」等のプロトタイプが存在する。
ちなみに現在のプロトタイプ数は約57に及ぶという。実に深淵なトピックを57、と考えると実に意欲的でエキサイティングな取り組みである。

このリストを見てもお分かりの通り、これらは必ずしも人々が使えたり、消費できたりする類のものでは無い。そこにこそ、Lorenzoの意図が潜む。「欲求というものは信じる力を奪います。信じる、という行為は皮肉という価値に置き換えられてしまいました。しかし、信じる力がなければ発展が得られない事を考えれば、これは大きな問題です。私のThe Soon Instituteでは、人々の”信じる力”を取り戻すためのツールを提供しているのです。」

Lorenzoの活動を見ていると、詩人としての役回りが何よりも興味深い。20世紀に生きた詩人達の多くも確かに生きる上での視点を表現し、その着想によって世界の奥行や幅を社会に与えてくれた。そんな中、21世紀に生きるLorenzoはその詩人が果たす責務や役割の意味合いを大きく塗り替えている。もし、視点こそが詩人の詩人たる秀逸さであるならば、その視点を持ってもっともっと社会のために能動的に働きかける事はできる。「広告業界は極めて保守的だ」、と話すLorenzoの発言にも表れている通り、Lorenzoはむしろユーザーや社会に挑みかける姿勢を決して崩さず、人々の脳と心に揺さぶりをかけてくる。その行為は、想像力の幅こそが人類の可能性の幅である事を改めて示唆してくれている。

そんなLorenzoの興味深い一言を最後にお届けしたい。

“貴方が思い描く社会やプロジェクトが具現化しないことを失敗と捉えますか？”という質問に対するLorenzoの答え。
「いいえ。私はエンジニアとして勝つならば、詩人として負ける方がましです。」

The Soon Institute Website
http://www.thesooninstitute.com/

Stephen Kennは家具作りの生産過程を知るうちに、その複雑さに圧倒されたという。そこで、構造をよりシンプルにし、一つ一つのパーツがどのように機能しているのか、という事を透明にできないかと考えた。また、それらを支える素材も、より物語を伝えられる素材を徹底的に選び抜きたいと考えた。プロジェクトを進めていく中でStephenは幸運にも、ロサンゼルスの倉庫に眠る大量の軍服や戦争備品に出会う。第二次世界大戦に利用されたこれらの軍服の物量を見ると、改めて時代の大きな変革を感じる。

Stephen Kennは、The Inheritance Collectionを通じて、人がこれらのソファに座る度に、自らを犠牲にし、今を生きる人達のために自由を勝ち取ってくれた人々がいた事に思いを馳せて欲しいと考えている。
「これは彼らの存在を記憶するための家具でもあるのです。僕が僕でいられるのは、彼らが彼らでいてくれたからなのです」と話す。また、「家具コレクションを作る意味は、単に家具ブランドとして認知して欲しいからではなく、より豊かなコミュニケーションが生まれる環境を創造するためです」とも話している。

そのため、Stephenは、モノづくりの生産プロセスをもう一度紐解き、それぞれのプロセスにどのような人が関わっているのかを伝える事にも情熱を注ぐ。家具制作に必要なパーツや素材を一緒に作り上げてくれる人達との関係構築もStephenが大切にしているモノづくりの価値だという。ロサンゼルスはあまりモノづくりのイメージは無いかもしれないが、「現地でモノづくりができる事に心踊る人々がロサンゼルスにはいる」事もまたとても魅力なのだそう。

いつの時代にも、後世に伝えるべきメッセージや生き様というものが必ずある。そしてその伝え手は、モノやコトへと形を多様に変えながら、伝える努力をしている。一方で、使い手としてはそのメッセージを汲み取る器量がなければ、永遠にコミュニケーションは取れない。ここにミスマッチが起きてしまうから、「モノではなく精神的豊かさが大事だ」という話が生まれてしまう。そこできちんとコミュニケーションがとれていれば、つまり、作り手の想いをその作品を通じて確かに感じ取れる感度が備わっていれば、そんな発言は死んでもできないはずである。作り手を阻害してはモノを通じた豊かさは享受できなくて当然である。

確かに20世紀は大量生産によるモノが数多く存在した。一方で必ずしも機械的ではない方法で生まれたモノもまた数多く存在した。いずれにしても、21世紀に入って実際に作り手として関わっている人達は減っている。その原因をITによる発展等というだけでなく、「当時の人達の方が伝えたいコトが沢山あったのではないか」と考えることも必要ではないか。利便性や効率だけで価値をはかれば、技術を獲得し、研鑽し、悩み続けながらも作品を生み出し続ける生き方は理解できないかもしれないが、それをしてまで伝えたいコトや生きたながら体現したいコトがあったのだ。
今、人がマネできない労力をかけてでも伝えていかなければならない価値を一人一人が持つ必要があると、強く思う。

(Film via Process Creative)

Stephen Kenn Website
http://www.stephenkenn.com/site/

以前、Future Ownership Japanでも紹介した作り手であるSean Woolseyの映像が新たにあるので、こちらを紹介したい。新しい人達の発掘はもちろんだが、こういった一度紹介した人々のその後を追っていく事、深化の道を紹介していく事も大事だと思っているのでお付き合い頂きたい。

「かつてとある人が”本物のアーティストはインスピレーションを待たない。いつかアイディアが湧く事を期待しながら行動しているようでは、決して多くの事を成し遂げる事はできない”、と教えてくれました。その言葉の本当の意味を実感できるまでには少し時間がかかりましたが、今では、行動こそがアイディアやイノベーションを生むのだと実感できました。」

この映像の中で、特に大切だと感じている言葉が”Re-purpose”である。「再度目的を持たせる」、という意味になるこの言葉は、21世紀に生きる私達にとって外せない視点である。
時に、手を介した仕事を21世紀において行う事を「逆戻り」と批判する声もあるが、Future Ownership Japanではそうは思わない。やはり手にしか生み出せない仕事は無数にあり、何よりも獲得できる精神性こそが尊い。手仕事の魅力を挙げればきりがないのでここでは割愛するが、その尊さを感じているからこそ、同時に手仕事に対する批判にも冷静に耳を傾ける必要はある。

それらの批判はどこに向けられているのか。その批判はやはり、一言で言ってしまえば、「手仕事における進化性」を社会が広く感じていないからではないかと推察する。これはどんな分野の人々にも言える事であるが、今を生きる人達にとって自身が関わっている領域や生活が「進化・深化」していないのであれば、「今を生きる」使命は果たせていない。世界情勢や価値観は不連続かもしれないが、人の命、社会の命、地球の命は絶やしてはいけない。
私達が生きる「今」は、次世代に橋渡しするための「今」であり、この「今」も、そもそもは先人達が残してくれたもの。

そういう意味では、この”Re-purpose”という言葉には、自分よりも遥かに大きい事のために尽力しようという心意気が受け取れるのであり、この意識こそが、社会を前に進めるのだと考えている。
2080年頃から2012を振り返った時、何が語り継がれるのだろうか。2080年に生きる人々を圧倒できる創造物はどれだけ残せるだろうか。今の時代に物事の価値を持たせるという事は、同時に、未来の人々に対する挑戦状でもある。

時代を越えたコミュニケーションが成立する事は、私達も歴史を見ながら十分に感じているはず。そんなダイナミズムを感じながら、生きる事で見えてくる風景はきっと違ってくる。
それはSean Woolseyが映像の中で語っているこのような言葉からも感じ取る事ができる。

「僕は、自分の身の回りにいる人達から多くのインスピレーションを貰っています。それは、9時-5時の快適帯を脱し、壮大な手仕事の旅に出ている人達です。”旅こそが目的”なのです。」

(Film via Process Creative)

ここ数年間、様々なクリエイティブマインドの持ち主が集い、プロジェクトや事業展開、そして表現の場として選んでいるブルックリンのウィリアムズバーグであるが、 非住人が滞在する場としての選択肢は極めて少なかった。
昨年、ライフスタイルホテルブランドであるKing & Groveがウィリアムズバーグに新たにオープンしたが、Ace Hotelといったカルチャー色が強く、地に足が付きつつも適度な上質感を持ったホテル好きにとってはどこか物足りないかもしれない。
そんな中、ウィリアムズバーグにニューカマーが2012年5月に名乗りをあげる。Wythe Hotelである。

正直、Ace Hotelのような強度があるか否かはまだ判断しかねるが、こうしたハード面のインフラを整える事でウィリアムズバーグに新たな求心力が生もうとする動きはその場所がどこであれ、重要な取り組みではないだろうか。
実際に、Wythe Hotelのサイトでは、Wythe Hotelには醸造所の監督、エンジニア、ブドウ栽培家、シェフ等のための部屋があります、といったメッセージも放たれており、地域に根付いたホテルを意識している事が分かる。

Wythe Hotelはブルックリンの伝家の宝刀的な手段に則り、「古い工場」のリノベーションによって、何にも代え難い歴史的重厚さを残しながら、新たな人々を迎え入れるための門戸となるように手が施されている。

施設の一例として、65人が収容できるスクリーニングルーム（フルHDプロジェクター完備）を備えている。この「65人」という会場を巻き込むのに丁度良い規模感のこの部屋ではインディペンデントなカンファレンスや映画上映会等、様々な用途として利用できる。
プロジェクト単位で活動するようなフリーランスや小規模企業の場合、この収容人数が二桁台のスペースこそ、小回りが効いて利便性が高いのではないだろうか。また、この部屋の外にはバーも完備されているので、プライベートなプロジェクトリリースパーティー等も対応可能である。

Wythe Hotelの中でも特に重要視したい事が、ホテルを形作るあらゆる要素がインディペンデントな人達との共創によって実現している点である。
例えば、ウォールペーパーはブルックリン在住のイラストレーター／アーティスト／ウォールペーパーデザイナーであるDan Funderburghによるオーダーメード作品であったり、 バス用品はプラスチック製品の大量生産に疑問を抱き、より環境に配慮したバス用品を作りたいとの想いで活動しているCommon Goodsによる商品を採用していたり、家具も地元産であったりと、これらの選択を通じてWythe Hotelが大切にしている判断基準が垣間見える。

また、2012年5月1日のオープンから7日までは、早速アーティスト支援をしているNPO団体Frieze Foundationのイベントホストを務める事になっている。

今後、個々の力と街が持つインフラとしての強さが様々な形で調和する事で、地元によって育まれる発展性と外部との価値交換により、一次元深みのある文化的な発信性の高いホテルとしての機能を果たしていければ興味深い。
ニューヨークへ行かれる際は、一度覗いてみては如何だろうか。

Wythe Hotel Website
http://wythehotel.com/

社会の一人一人が「未来へのオーナーシップ」を持ち、本当の主体性を抱きながら生きていくためには、自分の未来ではなく、「私達」の未来についても意識的になる必要がある。それは、国籍や性別を越えた「人」という共通項への意識である。
そんな世界住民は急増する人口に伴い、「都市のあり方」を再考しなければいけないフェーズに来ている。

2050年までに人口は90億人に達する、という予測は多くの人が耳にしている事だと思うが、何十年も先の話の事に対して強い危機感を感じられる事は多くないかもしれない。しかし、2050年への道のりは既に始まっており、だからこそ少しずつ課題解決への糸口を考えるきっかけを設ける必要がある。そんな想いから、今回は”Thinking Cities”という、都市化する世界における課題とそこに潜む新たな機会を探るドキュメンタリーのご紹介。

冒頭でニューメキシコのサンタフェ研究所の自然科学者として、「都市に対する科学の必要性」を強く感じているGeoffrey Westは次のように話す、「もし向こう30〜40年間の人口移動を平均すると、毎週100万人が都市に移り住む計算になります。」近年でこそ、資源の限定性を元に持続可能な社会に進もうとする動きは世界各地で行わている一方、まだまだ「持続可能」というレベルとは程遠い。

そんな中、都市生活を送る住民達の責任は逓増している。統計的に見ると、やはり都市人口が増えれば、犯罪・環境汚染・健康被害・労働賃金・特許数等あらゆる数値が増える。これは確率論から言っても当然と言えば当然かもしれない。しかし、大切な事は、都市がこれらの問題やそれらを引き起こす要素を生む一方で、「都市には問題解決の潜在的担い手である人々を吸引する力がある」と先述のGeoffrey Westは話す。その人々が起こした化学反応から発せられる様々なアイディアやエネルギーこそが都市のエンジンである。

「問題が生まれる所に、解決策もある」、という真理がここにある。

有能な経営者が経営不振の会社を立て直すための糸口として常に「現場」に焦点を当てるように、解決策を出すため魔法等存在しない。あるのは、問題を直視して、目を離さない事。

また、同じく冒頭でElain Weidmanによるこんな興味深い発言があった。「2006年にニコラス・スターンは、”都市においては、行動するコストの方が行動しないコストよりも安い”と話しています。」
これには様々な議論が展開されうる一言ではあるが、 やはり変わりゆく時代において無視できない事は、ここにおける「行動」というものはある一定の前提条件に沿った場合であり、この前提条件が変わってしまえば全てが覆ってしまう、という事ではないだろうか。あらゆる大量生産の事情がこれととてもよく似ている。

Thinking Citiesは、都市化が進む世界における解決策をITネットワークに見出している。
近年のIT技術により、あらゆるデータがリアルタイムで計測でき、それによって問題点や非効率な点を即時に発見できる仕組みになりつつある。それはまるで都市が私達一人一人に語りかけてくれるような形である。

その一つの取り組みとして、MITのSenseable City LabのディレクターであるCarlo Rattiはゴミを追跡するプロジェクトを行なっている。これは、シアトルにある様々な物にマイクロチップを埋込み、それらが捨てられた際にどれがどのようにして、またどこまで運ばれているのかを可視化するプロジェクトである。「興味深い事は、これらのデータは今まで収集されてこなかった事です。」

このような取り組みによって、例えば物流面においては無駄排除によるコスト削減が期待できる。これはほんの一例に過ぎず、今の情報ネットワークを武器にした都市や街という存在はかつてない潜在力を秘めている存在となった。
本ドキュメンタリーにおいても、「国はCO2削減といった上位概念的な取り決めをする一方で、実際的な次元においてこれらの目標を実現させるのは街なのです」と指摘している。実際に、この巨大な潜在力や今後「街」という存在が発揮しうる力を理解できている市長等は、未来に対して実に意欲的に取り組んでいるようだ。

本ドキュメンタリーが扱っているようなIT技術による新たな街のあり方、という視点は当然ながら大切である一方、忘れてはならない事はテクノロジー的な発展目覚しい今日、人類の文化的側面もどのようにして発展させていくか、という視点である。

つまり、都市における様々なインフラ面の改善はもちろんの事だが、私達一人一人の「都市での住まい方」そして「ライフスタイルのあり方」も同時に見直さなければならない。都市や街の作り手は開発デベロッパーや建築家だけではなく、その都市という公器を使いこなす私達一人一人である。急増する人口に伴い都市のあり方が問われている今、ごく一部の開発者に全てを委ねるのではなく、むしろ市民発の都市提案があってしかるべきだし、そのように能動的に街と関わっていく事がより多くの解決策を生み出せるかもしれない。

「住まう事」や「生活する事」という日々の営みは、一人一人の内側から編み出すものであり、ここに主体性を持つ事が豊かさへの糸口でもある。
技術的な発展は往々にしてその計測的な性格から、効率性との親和性が高い。しかし、文化的発展はむしろ非効率性や矛盾に潜む事が多い。これらのどちらかを選ぶのではなく、両立させるための交点を探すべく、人間の生き方にはより「人としての全体感」が求められる時代ではないだろうか。

即時的な情報シェアが進む世界では、本来創造性の源泉となる、「自分だけの唯一無二の体験・時間」を確保しづらい事がその理由の一つ。

20世紀ではモノづくりや情報発信の場やリソースは特権的立場を保有する人のみがアクセス権を持ち、それ以外の人々にとっては未知の部分が多く、立ち入る隙は決して多くはなかった。映像作家にとって、映像一つ撮る事自体が労力的・コスト的に大変な上、発表する場の確保は至難の技だった。小説家であれば、編集者と関係がある者がグローバル規模の作品発表の場を得る事ができた。

しかし、21世紀に入ると、様々な技術革新とコスト減により、それまで限られた人のみがアクセス権を保有していたリソースや発表の場が一気に解放され、皆がそれを享受できる立場となった。これにより、皆がiphone片手に写真家や映像作家となり、ウェブを通じてジャーナリストと化した。そして、これらの範囲は日に日に増えている。

これらは決して悪い事ではなく、むしろとてもプラスであると感じている。「機会」そのものを獲得できない社会はやはり不利益の方が大きい。機会を活かせるか否かは個人や集団の力量次第、という機会平等は良い意味で競争や共創を生み、真に人々にとって有益なものが残ればよい。

その意味では、「プロとアマチュア」の差と「社会的影響力」の差はその相関関係が薄くなっているのが今日という時代。もちろん、スキルやアクセスできるリソースの違い等はあり、それによってアウトプットが左右されながらも、プロだからといって社会的に支持され、アマチュアだから社会的影響力を持てない、という環境ではないのである（ここでは、社会的影響力を持つ事が良い事、という単純な話をしたい訳では決してないので、ご承知願いたい。）現在、ネットにおける表現自由度をめぐって、国内の統制力を維持したい後進国とそれらの技術恩恵をより幅広く享受したい先進国とが政治の場で対立しているのもその一例である。

しかし、機会の平等化の負の側面としての「表現の均質化」はやはり見過ごしてはならない現象である。

やはり、人は圧倒的な世界に感動し、心震えるものを感じる生き物である。私達が自然を見た時、人間の小ささを身を持って感じる感覚はこれに近いのではないだろうか。この時重要な事は、その感覚は決して劣等感ではない事だ。
あまりにも圧倒的なものに凌駕された瞬間は悔しい思いがしながらも、少しの時間と共にじわじわと、気持ちが良く、妙な納得感と感謝の気持ちと共に、大きなモチベーションが湧いてくる。

「上には上がいる」と感じさせてくれるのがこの社会の財産の一つではないだろうか。
そんな思いを胸に、改めて「前衛」またの名を「アバンギャルド」という言葉の意味を少し考えたい。「前衛」と聞くと、アートを連想するかもしれないが、それは一部に過ぎない。

前衛は、心の拠り所であり、一つの矛先であり、今である。

「現状維持」「満足感」「安定」の反対岸に凛と佇んでいるのが「前衛」である。一部では表現の均質化が起こっている現世だからこそ、改めてこの言葉が教えてくれる姿勢を意識したい。今回はそんな前衛に対して興味深い言及をしているRalf Schmerbergを本記事で少しだけご紹介したい。

映像作家・写真家として活躍しながらも、Ralf Schmerbergの仕事は実に多様である。遡れば90年代にコマーシャルのディレクションを通じて描いた実験的な視点やアイディアが評価され、後に制作した映画作品の”Poem”では受賞歴もある。また、彼の人生にとって政治は切っても切り離せない存在である事から、とても政治的観点が持ち込まれた”Holywood”、”Trouble – Teatime at Heiligendamm”、”Dropping Knowledge”といった数々の映画やプロジェクトが存在する。Ralf Schmerbergの最も新しい作品として、21世紀における人々のあり方を問いた“Problema”は2011 Best European Documentaryを受賞している。

そんなRalf Schmerbergの職歴は十代の頃に務めていた肉屋から始まった。彼はこの時を振り返り、「大きな間違いだった。実に不幸せな日々が続いていた。自分は1年半も嫌いだった場所で働いていたんだ。自分は社会、家族、その他の外部影響力に自分の人生をある方向へと導く事を許してしまったんだ。」と語っている。

しかし、転機は1年半程働いていたある日の通勤中の朝に創られた。Ralf Schmerbergはその時の事をこう話す。「その日の朝は実に壮麗だった。世界がとても美しく感じたんだ。そんな中、自分はソーセージを作るために汚いキッチンに閉じ込められていた。明るい光が差し込む中、自分はその光から目を離す事ができなかった。その瞬間、自分の心の声が聞こえ、こう語りかけてきたんだ、”今ここを出なければ、一生出れないぞ”と。」その声を頼りに、Ralfはその場を去ったという。

その瞬間をRalfは「人生を奮い立たせてくれたアバンギャルドな瞬間だった」と表現し、「何故ならばわずか数分間でとても大きな跳躍を遂げたのだから。勇気いる決断だったが、それによって今日の自分がいる」と続けた。

また、Ralfはアバンギャルドの言葉が持つ意味として次のように話している。

「自分にとってアバンギャルドとは人生の一部なんだ。人生を理解する上でとても大切な言葉だ。例え、周囲が感じとれなくても、アバンギャルドは自分の人生の中で起きる事なんだ。それは、愛という感情が自分だけのものであるように。そして、それらは他人が決して体感できない形で体感する事ができる。アバンギャルドでいる事というのは、馬鹿でいる事と同じように簡単にできてしまう事なんだ。それは与えられたものであり、人を選ばない。”特定の人のためだけにあるもの”という認識は間違っている。アバンギャルドとは自分、そして社会のために新たな扉を拓く事。もしそれらが私達にとって新たな視点を与え、物事への新たな理解を示してくれたならば、それらは”アバンギャルド”だ。」

「アバンギャルドはその瞬間に起こるものであり、捉えられないものでもある。何かアバンギャルドなものを意図的に創る事はできないと感じている。多くの人は意図的にそれらを生みたいと考えているし、自分もかつて理解が乏しい時代においては同じように考えていた。どこでどのようにしてアバンギャルドが生まれるかは分かるかもしれないが、最終的にアバンギャルドであるか否かは、全てが終わった後にしか分からないんだ。」

20世紀、アバンギャルド思想を持ち、形にしてきた数々の先人たちの存在を思うと、改めて、創造的に生きる姿勢を再考したい。

Ralf Schmerberg Website
http://www.ralfschmerberg.de/home

今日ご紹介するのはトルコ（イスタンブール）に拠点を置く、とある「ファシリテーター」のお話。

2009年にオープンし、今では音楽に飢えた人々のナンバーワン・デスティネーションと化しているMini Müzikholというクラブの運営から、日中はEdisyonという若手アーティストのエキスペリメンタルな表現をサポートするギャラリー経営、そして時には写真家までをこなすÇağlar Kanzik。NYやロンドンと比べればまだまだ音楽・アートシーンが未発達なトルコでは、それらの状況に喉の乾きを覚えている若者が数多く存在する。そんな環境を変えるべく、Çağlarは週7日間働きっぱなしの日々を送る。

元々エンジニアリングや経営学を学んでいたÇağlarは仕組みを考えるのが好きだったようだ。課題を解決するアイディアを出し、それを実行する事に喜びを感じる。周囲からは「何か一つのものに集中すべきだ」と言われたが、それらは純粋に自分のやり方には合わないと判断し、今では様々なプロジェクトを同時並行させている。人は物事を定義する事で、目の前の事象を簡素化し、理解したいと考える。逆に言えば、外から見た時に一つのカテゴリーや言葉に定義できないもの、一見複雑に見えるものからは距離を置きがちである。実際に仕事でも店舗内装はインテリアデザイナーに依頼し、広報関係は広報部に依頼する。しかし、例えば店舗内装に「編集力」という職能を持った雑誌の編集者が関わったり、広報の仕事を「価値を顧客に伝達し納得してもらう」事が職能の一つである営業部門が考える、といったように本来は「提供できる職能」として捉える事でまた違ったアウトプットが可能かもしれない。もちろん、一つの分野をとことん追求しなければ達成し得ない世界というのは確実に存在し、その価値は計り知れない。しかし、多分野に一つの横串をさして新たな価値を創造する立場も同じように尊い。そんな分野横断性に溢れたメンタリティ持ち主がÇağlarである。

そんなÇağlarは現在の活動拠点であるイスタンブールの前に数年間ニューヨークに在住していた。始めてニューヨークの地を踏んだのは、たまたま違う行き先の飛行機出発時間が6時間遅れた事がきっかけとなった。その時間を利用して友人を訪れようと思って降り立ったニューヨークで、「初めて自分の居場所を見つけたような感覚を覚えた」と話す。そんな、運命的な出会いも、キャッシュが底を付きそう、という生々しい理由により結局イスタンブールへと帰る事となった。

イスタンブールへ帰ると、Çağlarが共にEtraftaというブログを書いていたアート、政治学、グラフィックデザインといった多様なバックグラウンドを持った仲間達と現地のカルチャーセンターを作るプロジェクトを実現しようとしていた。ワークショップ、スタジオ、ギャラリー、フードコート等が集まった場所を計画していたが、結果的に資金繰りがうまくいかなかったため、お蔵入となった。その後、GodetとSoap-Systemの創業者であるMinasという人物が新たな場所を見つけ、ここを近所のバーとしてオープンさせてのがきっかけとなり、クラブビジネスを始めた。

その後、幼少期からアートやギャラリースペースに興味を抱いていたÇağlarはEdisyonというギャラリースペースを立ち上げた。ギャラリーや美術館、そして図書館にも共通する独特の静けさやその空気感に魅了されていたのである。Çağlarは立ち上げに際して様々なアート団体やアート関係者との関係構築を図るために奔走していたが、気づけばポーランド画家のBora Akıncıtürkの代理人を務めるようになっていたそうだ。常に好奇心旺盛に心と意識をオープンにさせていた結果、ローカルアートシーンとの繋がりが持てたのだと、振り返っている。

しかし、そんなÇağlarであるが、頭で描いていたアートギャラリーはむしろアートシーンの「外」で機能するものを考えていた。

ここに、彼のファシリテーターたる所以の一つが垣間見える。分野横断性を意識するÇağlarは単に「業界人」や「業界のための」といった概念を取り除きたかった。これは言うはやすし行うは、の世界である。構想の初期段階においては一平方メートルの箱にホイールをつけた可動式のミニギャラリーを作ろうと考えていたが、結局そのプランは実現させることなく、現在のEdisyonのような若手アーティストが一般に対して作品を展示できるプリントギャラリーとなった。

ここで展示されているアーティストのほとんどが無名であり、また初期設定価格も全て均一させることでギャラリー内のヒエラルキーを排除する形式をとっている。アーティストもギャラリー運営者も互いにwin-winの関係を目指した形なのだそう。特にまだまだ文化的側面におけるインフラが整っていないトルコにおいてこれらの発信場所というものは若手にとっては貴重な存在である。イスタンブールの現状についてÇağlarはこのように話している。

「イスタンブールでは、街における柔軟性や流動性に欠けます。あらゆるシーンがとても密集しており、他の地区に移動するといった事はありません。例えばニューヨークやロンドンに訪れる度に、アーティスト達が市内において活動地域を変えている事が感じられます。ニューヨークであれば、Bushwick、Red Hook、Gowanus、ロンドンであればDalstonやHackneyといった具合です。そこには多文化的な要素があり、アーティストとしても何らかの居場所を探す事ができます。しかし、イスタンブールでは、文化的とインフラ的な要因が流動性に対する制約として働きます。ここでいう文化的制約とはほとんどが宗教に関連した事であり、人々と何らかの合意に達するためには多くの犠牲や理解が求められるのです。」

そんなÇağlarにとって、イスタンブールで最も好きな要素もまた「人」なのだそう。イスタンブールには長い歴史と多様な人々が存在し、異なるバックグラウンドを持つ人との出会いが多いとの事。そのため、とても非合理的な事象にも多く出くわすようだ。
「どのようにし考え、反応すればいいのかわからない事が毎日のように起きます。それらは時に悲しく嫌悪感を覚える一方で、時に最高に楽しく驚きに満ちているのです。バイタリティを意味するこの環境からはとてもポジティブなインプットをもらっています。」

そんなイスタンブールも近年は外国人も増え、郊外地域の都市開発等が進んでいるため、交通インフラ等の整備が急ピッチで行われているとの事。
現状の環境を武器に新たな価値創造をしてきたのがまさしく文化の文化たる所以の一つだった事を考えると、Çağlarの活動もその一端を担っているように感じる。現代社会があらゆる分野において「包括的」な解決策や価値が求められている今の気運と、地域性という文化発展において欠かせない要素によって今後何が生まれるのか、継続のみが知る所ではないだろうか。

Ediyson Website
http://www.edisyonlar.com/

いつの時代も私達人間は自然に教えられてばかりである。自然界の理解や洞察が私達人間社会の発展に大きく寄与し、叡智や創造性の源泉となってきた。
今日ご紹介するニュージーランド陶芸家のLen Castleもニュージーランドの海岸線、火山地や地熱地帯等を自身の作品に持ち込む刺激材として活かしてきた一人である。クリエティブアーツの世界、そして陶芸における功績が認められ大英帝国勲章も受賞しているLen Castleは、ニュージーランドが持つ自然や物語に強く魅了されており、”これらの風景こそが自然が創造したアートギャラリーである”と語っている。そんなLen Castleは残念な事に、昨年86歳にしてその生涯に幕を閉じてしまったが、彼が作品に込めた情熱や純粋な知的好奇心は今日を生きる私達にも大きなインスピレーションと力を与え続けてくれる。

元々Lenはニュージーランドのオークランド大学で理学士を取得し、Auckland College of Educationにて教え手を育成する立場として働いていた。作陶を始めるのは1947年（当時23歳）に入ってからの事であり、その全ては独学によるものだった。試行錯誤を繰り返しながらその道を歩む中で、LenはAssociation of New Zealand Art Societiesに認められた初めての陶芸家となり、その結果、1956-57年の間にはイギリスへと渡り、日本の手仕事を背負ってきた柳宗悦や濱田庄司とも親交があったイギリス人陶芸家バーナード・リーチと仕事を共にする機会を得たのである。Len Castle自身も今までの人生において濱田庄司の影響力は大きかったと語っている。この時の出会いや経験をきっかけに、1963年には教え手としての自分を捨て、自分の持てる全ての時間を作り手として注ぐようになる。

教え手としての一面を持つLen Castleだけあり、その飽くなき知的好奇心や探究心は強く、1966-67年の間は日本で陶芸に対する洞察と学び、そして愛情を深めていきながら、その後は韓国や中国へと渡り様々な陶芸家との交流を図った。
Lenは、自身が持つ科学領域のバックグラウンドと自然界への知的好奇心を結びつけながら、それらを陶芸へと集約させる事に情熱を燃やした。この姿勢・態度こそが彼の創造性の道を拓く主要素となり、作品を通じてもそれらが色濃く反映されている事が見て取れる。また、その思想が垣間見える発言として彼はこんな言葉を残している。

“私にとって最良の作品とは、直感と意識的な選択が見事に調和した瞬間に出来上がるのです。”

自然界そのものがあらゆる要素の調和から成り立っている事を考えると、この発言もまた自然への洞察より得られた境地なのかもしれない。現代の社会ではあらゆるもののバランスが崩れているように思う。例えば、ビジネスの世界においては、数多ある情報の中から頭一つ飛び抜けようと価格ポジションでいえば高価格か低価格路線かを明確に示そうとし、その極端な方向性を生み出す事がポジショニングであるような認識を感じる。逆に言えば、どちらとも言えないものを「中途半端=戦略性の無さ」と称し、ネガティブに捉えられる。しかし、自然界が見事な融和から成立し、そこに大きな心地よさを感じるように、「中途半端」と見られがちなものは、「調和」とみるべきではないだろうか。過不足なく、バランス良く調和している姿に私達人間は意識的にも無意識的にも心地よさを感じる生き物ではないだろうか。

いずれにしても、Lenは自身が身を置くニュージーランドの自然を大きな情報源とし自然が持つそのままの強さを受容しながら、自らの手へと伝播させていく。日本の陶芸家とはまた作風が異なる部分を見ると、やはり身の回りにあるものを素直に取り入れながら創造する事の尊さを感じる。音楽や料理でも見られるが、地域性という要素が絡む事によって、唯一無二のものが誕生する事は往々にしてある。

そんな62年の陶芸歴を持つ彼が残してたこの言葉を最後の締めとしたい。”私は現在ピーク時にいます。昔は頭にあるイメージを形にする事はできなかったが、最近はその頻度が高まっています。”
簡単に聞き取ればそれまでだが、頭のイメージを形にしようと人生を賭けていながら、中々その境地に立てずにもがき苦しむのが世の作り手の心情だと考えると、この言葉はそう簡単に言えるものでは無い。

(Photos via The Arts Foundation)

The Arts Foundation Website
http://www.thearts.co.nz