デジタル社会だからこそ異彩を放つ「アナログの美学」。

デジタルとアナログという言葉は対比関係として認識されがちであるが、むしろ融和する関係性にある。

伝統が伝統であり続けるためには、絶え間無い革新が求められるように、アナログが今日社会に受け入れられるためには、過去の延長には無い、非連続の発展が求められる。

今回ご紹介したいthe impossible projectはまさに先代達が創出した価値観を現代のバランス感覚によって咀嚼し、蘇生させ、伝達しているプロジェクトである。

IMPOSSIBLEは2008年にこの世から去ってしまったポラロイドカメラの廃工場を元ポラロイド社より買い取り、新感覚のインスタントフィルムを製造・販売している。

当時の製造過程で使われていた材料が存在しないため、「現像液と光の関係性」という原点を軸に、新たな技法や材料によって全く新しいフィルムが作られている。

一度「歴史」と化してしまったものを復元し、再構築するプロセスには無数の難壁が待ち構えている。そんな中、the impossible projectが結束し、活動する目的は、

「アナログ写真が持つ尊い文化を次代へと継承していく」という事に他ならない。

冒頭でも記載した通り、デジタルとアナログは対比関係ではなく、それぞれが異次元に存在する。

「アナログ」というものは、人間にはコントロールできない範疇故に、人間の想像力をさらりと超越し、私達を魅了する独特の価値観を指す。

それは、人間が自然に圧倒されるのと同じような神秘に包まれ、生命への手応えを感じられる世界である。

そんな代替不能な価値観を伝えているIMPOSSIBLE TOKYOは、2013年6月14日～7月21日にかけて、中目黒にあるImpossible Project Spaceにて「対比と退比展」を開催。

過去には、荒木経惟氏や大森大道氏といった名だたる巨匠の作品展も開催したこの場でImpossible filmが織り成す個性豊かな作品の数々が体感できる。

再現性や反復性といった匿名な価値ではなく、唯一無二の表現がここに集結。

是非、人間らしい原感情を感化させてくれる空間に足を運んでみては如何だろうか。

【対比と退比 — Contrast ＆ Regression】

自然環境と密な関係にあるImpossible film。

思ったよりも赤みがかったり、青みがかったり、

意図的ではないその仕上がりも、時に偶然が織りなす芸術と成り得ます。

しかし、その偶然も、実は必然。

撮る場所、撮る時間、撮る物によって、

Impossible filmの仕上がりはいかようにも変化します。

特定の色味が強くでたり、鮮明かと思いきや淡い印象の像になったりと

まるで偶然の産物のように思える仕上がりも、

実は撮影現場の自然環境によるもの。

差し込む光、その時間帯の熱や湿度、その場にある物ものの風合い、

その場のすべてが影響し必然としてうまれます。

【対比と退比 — Contrast ＆ Regression】

前期：対比　6/14（金）〜6/30（日）

後期：退比　7/2（火）〜7/21 （日）

※退比の終演日は変更の可能性があります

前期の対比では、光と温度を軸に、

ライフスタイルの中から魅力あるシーンを切り取り

その関係性を表現することで、偶然を必然へと誘います。

後期の退比では、アーティスト集団 “The Little Shop of Flowers“ とともに、

花とフィルムの”生”の部分をインスタレーション形式で披露いたします。

The Little Shop of Flowers

http://www.thelittleshopofflowers.jp/

前期の対比会期中に、展示作品がどのフィルムで撮影されたかなどの

舞台裏を質問形式でお客様に投げかけ、ご回答にあわせていろいろな特典を

贈呈させていただくイベントもご用意しております。

後期の退比では、7/6（土）にワークショップを開催する予定です。

詳細は近日IMPOSSIBLE NEWSからアナウンスいたしますので、

こまめにチェックしていただけたら嬉しいです。

東京都目黒区青葉台1-20-5 OAK BLD 2F Impossible Tokyo KK

TEL：03-5459-5093

MAIL：tokyo@the-impossible-project.com

本展を通じ、ひとりでも多くの方に、

Impossible filmがいかに自然と密な関係にあるのかを、

伝えることができればと思っています。

IMPOSSIBLE TOKYO

Website : http://www.the-impossible-project.jp/index.html

いつの時代も私達人間は自然に教えられてばかりである。自然界の理解や洞察が私達人間社会の発展に大きく寄与し、叡智や創造性の源泉となってきた。
今日ご紹介するニュージーランド陶芸家のLen Castleもニュージーランドの海岸線、火山地や地熱地帯等を自身の作品に持ち込む刺激材として活かしてきた一人である。クリエティブアーツの世界、そして陶芸における功績が認められ大英帝国勲章も受賞しているLen Castleは、ニュージーランドが持つ自然や物語に強く魅了されており、”これらの風景こそが自然が創造したアートギャラリーである”と語っている。そんなLen Castleは残念な事に、昨年86歳にしてその生涯に幕を閉じてしまったが、彼が作品に込めた情熱や純粋な知的好奇心は今日を生きる私達にも大きなインスピレーションと力を与え続けてくれる。

元々Lenはニュージーランドのオークランド大学で理学士を取得し、Auckland College of Educationにて教え手を育成する立場として働いていた。作陶を始めるのは1947年（当時23歳）に入ってからの事であり、その全ては独学によるものだった。試行錯誤を繰り返しながらその道を歩む中で、LenはAssociation of New Zealand Art Societiesに認められた初めての陶芸家となり、その結果、1956-57年の間にはイギリスへと渡り、日本の手仕事を背負ってきた柳宗悦や濱田庄司とも親交があったイギリス人陶芸家バーナード・リーチと仕事を共にする機会を得たのである。Len Castle自身も今までの人生において濱田庄司の影響力は大きかったと語っている。この時の出会いや経験をきっかけに、1963年には教え手としての自分を捨て、自分の持てる全ての時間を作り手として注ぐようになる。

教え手としての一面を持つLen Castleだけあり、その飽くなき知的好奇心や探究心は強く、1966-67年の間は日本で陶芸に対する洞察と学び、そして愛情を深めていきながら、その後は韓国や中国へと渡り様々な陶芸家との交流を図った。
Lenは、自身が持つ科学領域のバックグラウンドと自然界への知的好奇心を結びつけながら、それらを陶芸へと集約させる事に情熱を燃やした。この姿勢・態度こそが彼の創造性の道を拓く主要素となり、作品を通じてもそれらが色濃く反映されている事が見て取れる。また、その思想が垣間見える発言として彼はこんな言葉を残している。

“私にとって最良の作品とは、直感と意識的な選択が見事に調和した瞬間に出来上がるのです。”

自然界そのものがあらゆる要素の調和から成り立っている事を考えると、この発言もまた自然への洞察より得られた境地なのかもしれない。現代の社会ではあらゆるもののバランスが崩れているように思う。例えば、ビジネスの世界においては、数多ある情報の中から頭一つ飛び抜けようと価格ポジションでいえば高価格か低価格路線かを明確に示そうとし、その極端な方向性を生み出す事がポジショニングであるような認識を感じる。逆に言えば、どちらとも言えないものを「中途半端=戦略性の無さ」と称し、ネガティブに捉えられる。しかし、自然界が見事な融和から成立し、そこに大きな心地よさを感じるように、「中途半端」と見られがちなものは、「調和」とみるべきではないだろうか。過不足なく、バランス良く調和している姿に私達人間は意識的にも無意識的にも心地よさを感じる生き物ではないだろうか。

いずれにしても、Lenは自身が身を置くニュージーランドの自然を大きな情報源とし自然が持つそのままの強さを受容しながら、自らの手へと伝播させていく。日本の陶芸家とはまた作風が異なる部分を見ると、やはり身の回りにあるものを素直に取り入れながら創造する事の尊さを感じる。音楽や料理でも見られるが、地域性という要素が絡む事によって、唯一無二のものが誕生する事は往々にしてある。

そんな62年の陶芸歴を持つ彼が残してたこの言葉を最後の締めとしたい。”私は現在ピーク時にいます。昔は頭にあるイメージを形にする事はできなかったが、最近はその頻度が高まっています。”
簡単に聞き取ればそれまでだが、頭のイメージを形にしようと人生を賭けていながら、中々その境地に立てずにもがき苦しむのが世の作り手の心情だと考えると、この言葉はそう簡単に言えるものでは無い。

(Photos via The Arts Foundation)

The Arts Foundation Website
http://www.thearts.co.nz

1983年ドイツ生まれのMarkus KayserはLondon Metropolitan大学にて4年間3D家具とプロダクトデザインを学び、その後2年間Royal College of Artにてプロダクトデザインの勉強を続け、2011年イギリスはロンドンにて自身のスタジオを設立した。

初期の家具や照明器具の作品を通じて素材やデザインプロセス、技術への理解を深めたMarkus Kayserは、そのプロダクトが持つ実利的な側面を超越した価値を語りかけ、個々人がより深い繋がりが持てるプロダクトを作りたいと考えている。実験的である事は彼のデザインプロセスの中心的価値の一つでありながらも、コンセプトの背景に入念な研究と考え抜かれた理論とが同居する事が、対象となるテーマにおける真のポテンシャルを解明するためには重要であると考えている。

また、Markus Kayserは真剣さとユーモアのバランスを取りながら物語を伝えようと試みている。これにより、プロダクトや作品における深みを失う事なく、より人々にとって消化されやすいものとなる。
新たに設立されたデザインスタジオの目的は、新しい技術、そして忘れ去られてしまった技術をデザイン制作に反映させながらその可能性を探り、科学、アート、エンジニアリングといった一見異なる分野の境界線を曖昧にしていく事である。

そんなMarkus Kayserのプロジェクトの一つを今回ご紹介したい。その名は「Solar-Sinter Project」、すなわち「太陽光焼結プロジェクト」である。

エネルギー生産やあらゆる原料不足の課題が加速する時代を背景に、本プロジェクトではエネルギーや原料が潤沢にある砂漠での製造可能性を探る事が目的である。この実験では、ガラス製造物を作るために3D印刷技術を応用し、太陽光と砂がそれらを生産するためのエネルギー源及び素材として活用される。砂と太陽への着目はそもそもこれらが世界中に大量に存在するからである。砂に含まれる二酸化ケイ素はガラス、コンクリート、半導体の絶縁体などの材料として使われる。融点に達したケイ素を冷やす事でガラスが作られるのであるが、このような粉状素材を熱加工する事によって固体化する事を焼結と呼び、これらは近年3D印刷によるプロトタイプ制作等に用いられる技法である。通常、3D印刷を行う場合はレーザー技術を用いる事で粉状のプラスチック、樹脂や金属を正確な3D物体に仕上げるのであるが、今回の実験ではそのレーザーのかわりに太陽光、樹脂の代わりに砂を利用してみようという試みである。

2011年2月に作った最初の太陽光焼結機はモロッコの砂漠で実験が行われ、その頃はまだマニュアル稼働のものであった。その後、2011年5月頃には動画にもあるようなコンピューターによる自動化に成功し、今回はサハラ砂漠にで実験が行われた。

このプロジェクトは未来の製造業に対する疑問を投げかけると同時に、地球上における最も効率的なエネルギー源である太陽光が如何なる潜在力を秘めているのか、その可能性を覚醒させるきっかけを目指す。
決して決定的な答えを示すものではないが、新たな着想としての出発点として本プロジェクトを捉えて頂きたい。どんなに社会貢献度が高いものや人類への功績が大きいものも、その出発点は決して目立つものではないかもしれないが、必ず独特の輝きがある。
それらを丁寧に汲み上げられる社会の目がその醸成には不可欠である。

Photos via Markus Kayser Website

Markus Kayser Website
http://www.markuskayser.com/’http://www.markuskayser.com/’/about-this-site//’

そこで今回ご紹介する手仕事の担い手は、ニューヨークを拠点とする41歳の木工職人・デザイナーであり、Black Creek Mercantile & Trading Co.という自身の会社の共同創業者でもあるJoshua Vogel。事業内容は主に唯一無二の彫刻作品や木工プロダクト・家具のデザイン及び製造を担っている。商品の材料として生き物である木材を利用しているため、Black Creek Mercantile & Trading Co.では資源を最大限活かし、ゴミを最小にする取り組みを行うと共に、商品の均一性を図る事によって環境負荷を高めるのではなく、その時に仕入可能な木材や状態によって商品の角度や材質が異なる姿勢を貫く事で無理の無い生産を行なっている。材料が自然物であるため、出来上がる商品にも自然な仕上がりを求めるという、「自然」と寄り添う哲学を保有している。

そんなJoshua VogelはNew Mexico State大学時代に人類学と美術史を学び、University of Oregonにて建築を学んだJoshua Vogelはこの当時からより真剣に木材と向き合い始めたという。（実際にJoshuaは5歳位から木と戯れているような少年だったそうだ。）
木材を扱う仕事の関係上、Joshuaは仕事の拠点を森へと移し、森と共存する事を選んだ。同じように木材を必要とする他事業者との関係性を構築すると共に、自分達が望む仕事のあり方・進め方を実現し、住みたい環境に身を置く事を重視した結果である。また、森と共存する事で自分自身大きなエネルギーを受信できると共に、対外的にも自分達がどのようなプロダクトを作りたいか、どのような思想背景を持っているか、というイメージやビジョンが共有しやすいのだという。木の事は木に囲まれた環境で考えよう、という真っ直ぐな姿勢とメッセージが伺える。働き方と生き方がまさしく一致している好例ではないだろうか。

このような選択をする背景はJoshuaのこのような言葉からも理解できる。「私は強い文化的そして歴史的個性のある街が大好きです。地理的・環境的要素がどのようにしてユニークなコミュニティ形成に反映されているのかという事にとても関心があります。また、それらの要素を一つの限界としてではなく、一つの性格・特質として包括できる街はとても素晴らしいと思います。ベネチアはその代表的な例ではないでしょうか。」

そんな歴史的価値に敬意を払うJoshuaが抱える近年の問題意識として、「一般的な進化の尺度」に対する疑問があるようである。

Joshua曰く、「一人の作り手として、新しい事は必ずしも良い事ではないと言えます。そして建築の学び手として、私は”再利用の適用”に関する強い提案者でもあります。実際的な意味合いで、私達は発展、そして短期的な経済成長という名の元に地域史を取り壊す事に対して細心の注意を払う必要があると考えています。」

そもそもJoshuaの歴史に対する考え方は木工職人として木々に触れる日々を送る中で強固になっていった価値観かもしれない。Joshuaは次のように語っています。

「木や木材には私達の人生のように時間的な側面があります。その時間性に強い関心があるからこそ、私は物語が大好きです。何故ならば、物語とは常に時空間を遡るものだからです。そして木々が持つ物語も同じように時空間を遡る事で得る事ができます。木を削る時、私は木の人生の中に入り込み、そしてその歴史に入り込んでいるのです。」

「木は偉大なる先生です。私は木工職人と名乗っていますが、それはあくまでもデザイナーや作り手としてはほんの小さな側面に過ぎません。木は自分達の行動に対する反応を示し、それらは例えば石等に比べれば理解し易いものではないでしょうか。木は人生に対するアプローチが私達人間よりもストイックです。木を人格化させるのではなく、木のどの部分に私達人間を見出すか、という視点により多くを学べるのではないでしょうか。”生きる”という原理を愚直に実行する事。それは木から教わる大きな教訓ではないでしょうか。」

今日、日本においても手仕事への関心度や敬意の高まりを少しずつ感じるが、これは日本に限った事ではない。アメリカでも手仕事への敬意が散見される。その背景には、時代の不透明さ故に目の前の確かなものを希求する精神、豊かさの再考・再定義の加速化、身体性と働く事の融合を始め人によって多様な答えがあるかとは思うが、いずれしても「生きる事」と「働く事」に矛盾が無い事、これが最も尊い価値観であり、意識的にも無意識的にもこの価値観の目覚めが広がる事が大切ではないだろうか。このテーマに関してはまた別の機会に考えてみたいと思う。

Photography courtesy of Garden Design

Black Creek Mercantile & Trading Co.
http://www.blackcreekmt.com/index.html

「効率」や「スピード」といった価値観が蔓延する今日という時代において、長期的な展望を持ち、短期的な結果に一喜一憂する事なく、何かに取り組む、という価値観は希薄になりがちではないだろうか。
決して容易に保有できる価値観ではないが、ゴールが何かを分からず、また何の見返りがないかもしれないプロセスをひたむきに続ける精神性は実に尊い。
「効率」や「スピード」といった価値観は全て「結果」や「比較対照」が見えてこそ存在する価値指標である。何に対して効率的なのか、何より早いのか、これらは全て比較論であり、一刻もはやくゴールに向かう事を重んじるものである。もちろん、これらは否定している訳ではない。 効率やスピード無くして今日の経済発展は無い。

しかし、世界における情報交換・価値交換が進むにつれ、様々な表現や創出物がある側面において平均化を招いている状況がある。より効率的に早く何かを生み出そうとする結果、逆に圧倒的な何かが生まれにくくなっている側面も感じる。（もちろん、クラウドソーシング・クラウドファンディングに代表される集合知のような知恵の運用方法によって、複雑な問題に対する解決策が次々と生まれている事も同時に起こってはいる。）もちろん、人の創造物は全て何かしらの記憶・経験・インスピレーションが編集された結晶物である事を考えると、真に新しいものは恐らく人類がまだ知らない事にしか潜んでいないのかもしれない。

いずれにしても、そのような状況において今後人類の更なる発展を考えた場合、それが物質的・精神的発展にせよ、今こそ改めて長期的な視座に立脚した営みを再考すべきではないだろうか。

そんなマインドを共有できるアーティスト達の中から今回ご紹介するのは建築的な視点から音を捉え、シンプル且つ機能的な要素によって音のプラットフォーム構築を試みているスイス出身のアーティストのZimounである。

映像からも観察できるように、ダンボール、モーター、ワイヤーといったシンプルな機械装置により音を奏でているが、それらの装置と音が幾多にも重なり合わさる事でまるでそれぞれが生物のように働き、カオティックな音が鳴り響く。建築的・機械的な規律を持ちながら、そこにカオス的な乱立を同居させる事で、「人工」と「有機」の相互作用による緊張関係を創出している。また、これらは複雑なリズムやフローをシンプルな手法で研究する試みの一つでもある。「規律」と「カオス」、「人口」と「有機」、「複雑性」と「単純性」といった相反する要素を一つに結合させる事で、改めてその矛盾性に潜む創造性を再確認できる。いつも矛盾の交点は創造の交点である。

規律によってカオスが導き出される事を観察していると、私達人間にとって創造性を発揮するために如何なる規律が求められるのか、その線引きや境界線の関係を改めて考えるきっかけもこの作品は与えてくれているのではないだろうか。
現在、フロリダのRingling Museum of Artにて2012年1月8日まで展示会を開催中との事。

また自身のウェブサイトにも興味深い作品がいくつも掲載されているので是非ご覧頂きたい。

(Pictures courtesy of Zimoun)

Zimoun Website
http://zimoun.ch/index.html